1001 discos que debes escuchar antes de morir (Decimoctava Parte)

Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.

Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuáles son y en qué momento aparecerán en este post.


Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.

Seguimos con la lista... .


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426. Siouxsie & the Banshees – The Scream (1978)



Formados en plena era punk tras ver un concierto de los Sex Pistols (de los que eran grandes fans), Siouxsie & The Banshees estaban integrados por su líder y cantante Susan Dallion, alias Siouxsie Sioux, el guitarrista Marco Perroni, el bajista Steve Severin y el batería John Simon Ritchie, alias Sid Vicious. Poco después Vicious se unió a los Sex Pistols y Perroni a Adan & The Ants. Llegarían para sustituirles el guitarra John MacKay y el batería Kenny Morris. Aparecieron en plena explosión del punk a finales de los 70's Con un sonido crudo y rápido, el cual fue variando poco a poco con el tiempo, reaccionando contra su propio sonido inicial, siendo parte de los precursores del nuevo sonido de la época: el Post-punk.
The Scream es el primer album de la banda, oscuro, precedente del gótico, pero aún con ese poder desbordante del punk. Este disco marca una pauta importante, que radica en que sin este álbum de la banda jamás podría definirse otros discos que han dado paso a nuevos movimientos musicales, que si bien calificarían a la banda de oscura y gótica, cosa que ellos rechazaron siempre, es asombroso como una banda engendra seguidores que transformarán ese sonido en otro y crearán escena.

1. Pure
2. Jigsaw Feeling
3. Overground
4. Carcass
5. Helter Skelter
6. Mirage
7. Metal Postcard (Mittageisen)
8. Nicotine Stain
9. Suburban Relapse
10. Switch

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427. AC/DC – Highway to Hell (1979)



Todo un clásico en la carrera de AC/DC, este gran disco de rock producido por Robert John "Mutt" Lange supuso el último trabajo del vocalista Bon Scott, fallecido lamentablemente poco tiempo después de la grabación de este álbum.
Dentro de su magisterio en el hard-rock, "Higway to hell" prosigue con las concomitancias líricas y sonoras de la legendaria banda rockera, centradas en potentes riffs, crujientes y neurasténicos respaldos de guitarras, corpulenta sección rítmica, estribillos insistentes, vocalidad lacerante y asuntos de básica esencia lúbrica.
"Highway To Hell" es musicalmente espectacular. Si hay un instrumento predominante en todas las canciones, ése es la guitarra. La que aún hoy en día sigue tocando Angus Young, con una maestría y originalidad inigualable.
Su enraizamiento en las pautas blues-rock se comprueba en el afortunado tema que cierra el album, "Night Prowler" y su agresivo hard-rock de influencias zeppelianas y stonianas en enormes composiciones del trío Scott/hermanos Young (Angus y Malcolm), como "Touch too much", "Walk all over you", "Girls got rhytm", "Shot down in flames" o la homónima de álbum, todo un standard del proceder y sentir de la estupenda formación australiana, todo un icono del mejor, directo y más sudoroso rock'n'roll.
Se consideró el álbum más popular de la banda hasta el momento, y ayudó a incrementar la popularidad de ésta considerablemente.

1. Highway to Hell
2. Girls Got Rhythm
3. Walk All Over You
4. Touch Too Much
5. Beating Around the Bush
6. Shot Down in Flames
7. Get It Hot
8. If You Want Blood (You've Got It)
9. Love Hungry Man
10. Night Prowler

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428. Sister Sledge – We Are Family (1979)



Sister Sledge fue una banda de musica R&B / Disco / Funk formada en 1972 por 4 hermanas, Kim Sledge, Debbie Sledge, Joni Sledge, y Kathy Sledge.
Las Sledge cantaron desde muy chicas, en iglesias de su pueblo, pero tiempo después las descubren y lanzan dos discos. Tiempo después la carrera de las Slegde empieza a decaer y son tomadas por dos talentosos productores de la banda Chic, Bernard Edwards y Nile Rogers a finales de los 70, algo que se aprecia claramente en su sonido.
Con ellos lanzan su tercer álbum “We Are Family”, del cual se hacen conocidas por sus dos más grandes hits, "We Are Family" y " He´s the greatest Dancer", tema tambien covereado por Will Smith en "Gettin' Jiggy Wit It". Es uno de esos discos atemporales: lo escuchas y parece haberse detenido el tiempo. Desde la propia "We Are Family" que llegó al número uno del R&B, al también bailable "Thinking Of You", pasando por las baladas "Somebody Loves Me" o "You're A Friend To Me". Toda una obra maestra del Disco Sound más elegante que se ha hecho en la historia de la música.

1. He's the Greatest Dancer
2. Lost in Music
3. Somebody Loves Me
4. Thinking of You
5. We Are Family
6. Easier to Love
7. You're a Friend to Me
8. One More Time
9. We Are Family - (Sure Is Pure remix)
10. We Are Family - (Steve Anderson DMC remix)
11. Lost in Music - (Sure Is Pure remix)
12. Lost in Music - (1984 Bernard Edwards & Nile Rodgers remix)

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429. Crusaders – Street Life (1979)



The Crusaders surgieron en un instituto de Texas (USA) en 1960, y reunían al pianista Joe Sample, el saxo tenor Wilton Felder y el batería Stix Hooper. La banda siguió al trombón Wayne Henderson hasta L.A. en 1960 y firmó un sustancioso contrato con el sello Pacific Jazz, para el que fusionaban jazz y R&B, con un reconocible trombón y tenor de primera línea como estandarte. En 1979 publicaron su LP “Street Life”, que se convirtió en uno de sus mayores éxitos, aunque también marcó la última grabación de la formación original. Tras el abandono de Hooper, la banda fue desapareciendo paulatinamente.
Para este legendario álbum tuvieron como artista invitada Randy Crowford, que canta el tema que da nombre a todo el disco y que deja una marca personal en la grabación que superó mucho más que fronteras o estilos, pero a Joe Sample esto de no dominar él mismo el disco no le parecía muy acertado y le llevó a ir disolviendo por claros enfrentamientos con el resto de componentes, la banda. A pesar de estos abatares dejan para la historia este "Street life" que supone un antes y un después en el estilo jazz o R&B en los 80.

1.Street Life
2.My Lady
3.Rodeo Drive (High Steppin')
4.Carnival of the Night
5.Hustler, The
6.Night Faces

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430. Germs – GI (1979)



Formados en Los Angeles el año ‘77, The Germs eran la unión de Darby Crash con el guitarrista Pat Smear, uno de sus amigos más cercanos. Los secundaban Lorna Doom en bajo y Don Bolles en batería, para completar la formación clásica de la banda. Con dos siete pulgadas bajo el brazo, y más ímpetu que conocimientos técnicos, se embarcaron en concretar su ópera prima, con el respaldo de dos años en el circuito punk rock local. Lo que sí resultó sorpresivo fue la elección de Joan Jett como productora, tras desechar la idea de tener a Mark Lindsay de Paul Revere & the Raiders, por motivos presupuestarios.
La desprolijidad era la marca de fábrica. Varios clubes nocturnos les tenían prohibida la entrada, después de noches en las que el desenfreno terminaba en todo tipo de disturbios, especialmente por la actitud suicida del frontman (quien solía cortarse el pecho con vidrios), así que los veinteañeros debían tocar encubiertos. Por eso, el disco está titulado así, (GI) quiere decir Germs Incognito, el nombre que usaban para conseguir fechas en lugares que ya habían destrozado junto a sus fans. La misión del trabajo en estudio consistió en capturar y reflejar todo lo que entregaban arriba del escenario. Y lo consiguieron con creces. Como varios elepés seminales de su género, el primer esfuerzo de Darby Crash y compañía es una foto del momento, un instante de fiereza hecho canciones, gritos y actitud. Más que música depurada, lo de estos salvajes era conmoción e impacto, surco a surco.
Sin mucha resistencia al análisis, la arremetida de The Germs estaba distribuida en tres frentes. Primero, el magnetismo de su líder, un ser frágil y brillante que hizo de su vida una oda a la autodestrucción. Luego, la ferocidad de Pat Smear en las seis cuerdas; puede que no sea un virtuoso, pero el tipo siempre supo cómo producir sensaciones vertiginosas con su guitarra y jamás ha existido teoría que supere a lo visceral. Por último, la base rítmica formada por Doom y Bolles, quienes ponían la cereza al pastel tóxico, pero adictivo y altamente energizante. (GI) suscita al cuestionamiento de los ingenieros de sonido a cargo y, pese a esto, ha resistido a la prueba del tiempo como cualquier otro indispensable pulcro y cristalino. A treinta años de su edición, escucharlo sigue evocando deseos de quebrantar la ley, empujar a alguien y arrasar con todo lo que esté al frente. De eso se trata.
La trágica muerte de Darby Crash por sobredosis de heroína, a los 22 años, fue opacada por otra que lo mandaría eternamente al anonimato: John Lennon sería asesinado un día después. Seguramente, de no haber sido por eso habría sido alzado por la historia como el ícono maldito que fue y como uno de los primeros héroes del hardcore,

01- What We Do Is Secret
02- Communist Eyes
03- Land of Treason
04- Richie Daggers Crime
05- Strange Notes
06- American Leather
07- Lexicon Devil
08- Manimal
09- Our Way
10- We Must Bleed
11- Media Blitz
12- The Other Newest One
13- Let's Pretend
14- Dragon Lady
15- The Slave
16- Shut Down (Annihilation Man)

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431. B52s – B52s (1st Album) (1979)



Mucho antes de que el grupo R.E.M. colocara en el mapa musical la localidad universitaria de Athens, ubicada en el Estado norteamericano de Georgia, The B-52's habían conseguido revolucionar el país estadounidense con sus excéntricas y bailables canciones de naturaleza trash y su llamativa y colorista presencia de esencia camp, especialmente la de sus dos integrantes femeninas, tocadas con las pelucas que definieron el apelativo de la banda, conocidas como The B-52's en el sur de su país. Ellos mismos niegan que su nombre derivara del famoso bombardero, como muchas fuentes citan de manera errónea.
The B-52's surgieron en el año 1976 y tras debutar encima de un escenario el Día de San Valentín de 1977, se convirtieron con rapidez en uno de los grupos favoritos de las radios universitarias, pavimentando el auge posterior del college-rock, que precisamente encontraron a sus máximos representantes en R.E.M.
Estaban formados por el cantante Fred Schneider, el guitarrista Ricky Wilson, el batería Keith Strickland y las vocalistas Kate Pierson, quien además se ocupaba de los teclados y Cindy Wilson, hermana de Ricky. Después de conseguir un inesperado éxito con el single "Rock Lobster" y actuar con un significativo seguimiento por diversos locales de Nueva York, grabaron gracias a Chris Blackwell su album debut, "The B-52's" (1979), un disco en el que recuperaban desde una perspectiva new wave, sonoridades deudoras del clásico rock'n'roll, el punk británico, el espíritu del garaje, el surf o los girl groups de los años 60, incorporando temáticas surrealistas y paródicas, imbuidas de gran sentido del humor y festivos ritmos. El LP, que contenía, además de su famoso "Rock Lobster", excelentes temas como "Planet Claire", "52 girls", "6060-842" o "Dance this mess around", consiguió las alabanzas del mismísimo John Lennon, que afirmó que The B-52's se había convertido en su grupo favorito.

1.Planet Claire
2.52 Girls
3.Dance This Mess Around
4.Rock Lobster
5.Lava
6.There's a Moon in the Sky (Called the Moon)
7.Hero Worship
8.6060-842
9.Downtown

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432. Holger Czukay – Movies (1979)



Holger Czukay, nacido el 24 de marzo de 1938, es un músico originario de la Ciudad libre de Dánzig (actualmente Gdansk, Polonia). Czukay estudió en la Karlheinz Stockhausen de 1963 a 1961 y fue miembro fundador del grupo de Kraut Rock “Can” en 1968. Czukay tocaba el bajo y realizó la mayoría de las grabaciones e ingeniería del grupo, aunque abandonó la formación en 1977, unos años antes de la disolución oficial de la banda.
Este es su primer álbum en solitario después de su salida de Can. Aunque fue grabado con la colaboración de los miembros de la familia CAN (Irmin Schmidt, Michael Karoli) Este álbum cuenta con 4 temas originales, intrigantes y muy distintos entre sí, donde se nota la aptitud de Czukay de combinar los sonidos de sintetizador y las experimentaciones de guitarra. Tomando de diversas fuentes (televisión, radio ...), muchos collages electrónicos y muestreos que enriquecen las composiciones y les dan algo especial y poco convencional. El sonido del álbum permanece a pesar del tiempo fresco y moderno. Todas las pistas son una avalancha de cambios y progresiones en los temas y materiales.
Un álbum complejo que requiere escucharse en variadas ocasiones antes de atreverse a considerarlo asimilado, pero sin lugar a dudas una joya musical.

1. Cool in the pool
2. Oh Lord give us more money
3. Persian Love
4. Hollywood Symphony

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433. The Police – Reggatta de Blanc (1979)



Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre derivado de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, que siempre llevaba puesto en su juventud), Police fue uno de los conjuntos británicos con mayor éxito comercial en los años 70 y 80 gracias a su impetuoso pop-rock nuevaolero enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo bastante notable.
El trío, compuesto por el cantante y bajista Sting, por el batería Stewart Copeland y el guitarrista Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers, un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como los Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers o Neil Sedaka.
En 1977, tras foguearse en distintas formaciones inglesas de jazz y rock progresivo, el terceto dio inicio a su andadura musical el la escena punk con el apoyo de su representante Miles Copeland, el hermano de Stewart. Su debut se produjo con el single “Fall out”, canción compuesta por Stewart que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una notable resonancia, hecho que llegó a oídos de los jefazos de A&M, con quien comenzaron a grabar en 1978.
Este brillante inicio de su discografía se confirmaría con este su segundo álbum que lideraba los listados de ventas de toda Europa “Regatta de Blanc” (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon” El disco fue un éxito comercial al igual que su anterior material, Outlandos d'Amour, llegando al primer puesto en el chart británico. Con el tiempo, tanto Stewart Copeland como Andy Summers reconocerían que fue su álbum favorito. En 2003, la revista Rolling Stone lo calificó en el puesto 369 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1.Message in a Bottle
2.Regatta de Blanc
3.It's Alright For You
4.Bring on the Night
5.Deathwish
6.Walking on the Moon
7.On Any Other Day
8.Bed's Too Big Without You, The
9.Contact
10.Does Everyone Stare
11.No Time This Time

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434. Fall – Live at the Witch Trials (1979)



Liderados por el compositor y cantante Mark E. Smith, esta formación británica de rock post-punk procedente de Manchester surgió en 1977 y se convirtió en una de las principales bandas indies de finales de los 70 que nunca vendieron demasiado pero que consiguieron mantenerse como un destacado grupo de culto. Junto a Smith se encontraban el guitarrista Martin Bramah, el bajista Tony Friel, el batería Karl Burns y la teclista Una Baines. El nombre del grupo proviene del título de una novela de Albert Camus.
Con un sonido proto- avant-garde casi cacofónico con credenciales de clase obrera y las letras de Smith, casi balbuceadas, casi incomprensibles, probablemente bastante improvisadas y consideradas profundamente cínicas e inteligentes. The Fall fue siempre un icono extraño. Su álbum debut, “Live At the Witch Trials”, apareció en 1979, atrajo más público a sus conciertos (ayudados por el mítico disc-jockey John Peel) pero aún así Smith no estaba contento con sus componentes. Seguido de innumerables discos, grabaciones piratas y cambios de alineación. De todas las últimas bandas punk de los 70 y de postpunk, ninguna ha sido tan longeva o prolífica como The Fall.

1. Frightened
2. Crap Rap 2
3. Rebellious Jukebox
4. No Xmas for John Quays
5. Mother-Sister!
6. Industrial Estate
7. Underground Medecin
8. Two Steps Back
9. Live at the Witch Trials
10. Futures and Pasts
11. Music Scene

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435. Talking Heads – Fear of Music (1979)



Seguramente hay pocos grupos que, como Talking Heads, hayan influido tanto en tan gran número de bandas surgidas en los últimos años. Así, la obra de Clap Your Hands Say Yeah, Franz Ferdinand y The Arcade Fire, Radiohead, por citar sólo los ejemplos más evidentes y notorios, no se entendería si no fuera por los discos como este que la banda liderada por David Byrne publicó entre 1979. Brian Eno fue el productor de este álbum.
Este tercer disco de estudio y el que los consagra como banda de culto y gran influencia de sonidos venideros en décadas posteriores. Las críticas no fueron muy amigas de los Talking Heads y no sólo entonces, sino hasta el día de hoy. Pero pese a que el sucesor “Remain in Light” permanezca ensalzado como el mejor de los álbumes de los neoyorquinos, esta oscura placa tiene una consistencia y originalidad que definitivamente marcan la plenitud de los trabajos de la banda en cuanto a calidad compositora y lucidez creativa.
Su portada, casi totalmente negra, es un claro reflejo del carácter oscuro y difícilmente accesible de muchas de sus canciones. Sin ir más lejos, su tema inicial, I Zimbra, es toda una declaración de principios: la letra es la adaptación de un poema fonético (Gadji beri bimba) del dadaísta alemán Hugo Ball, y su música constituye el inicio del interés de Byrne por los ritmos étnicos, que se acentuará en trabajos posteriores como su disco en solitario con Brian Eno My Life In The Bush Of Ghosts (Sire, 1981)
Este álbum definitivamente no fue un hit comercial, aunque sí tuvo una decente notoriedad en las listas. Marcó el lugar 21 en el top 200 de discos de la Billboard, mientras que “Life Turing wartime” alcanzó el lugar 80 en la liste de singles pop, siendo el único sencillo en instalarse en dicho ranking.
Talking Heads nunca destacó por grandes éxitos comerciales, sin embargo su exploración discográfica constante y sus descubrimientos sonoros influenciaron a toda una generación de bandas formadas durante los ’90. Y mientras ellos se llevan el premio gordo, Byrne y compañía siguen flotando en el olimpo, en una oscuridad macabra gestada desde la inquietud musical misma que marcó su carrera.

1.IZimbra
2.Mind
3.Paper
4.Cities
5.LifeDuringWartime
6.MemoriesCan'tWait
7.Air
8.Heaven
9.Animals
10.ElectricGuitar
11.Drugs

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436. Joy Division – Unknown Pleasures (1979)



Joy Division fue la banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Son considerados por los expertos como los Padres de la música Dark y la música Gótica por ser uno de los primeros grupos que crearon una atmosfera asfixiante, angustiante y oscura y sus letras depresivas y suicidas que marcaban la pauta de sus melodías. Se disolvió en mayo de 1980 tras el suicidio de su cantante, Ian Curtis. Pese al éxito moderado en su carrera, y lanzaron sólo dos álbumes de estudio, Joy Division han sido aclamados desde entonces como uno de los más innovadores, evocativos e influyentes grupos de su tiempo; Thom Jurek escribe "Tan solo nos dejaron un pequeño retazo de música y un eco que aún suena".
Sus influencias van desde el proto-punk: The Velvet Underground, The Stooges; el punk: Sex Pistols; e incluso el glam: David Bowie. Todas estas bandas bordeando más siempre un ámbito alternativo. Se podría decir que Joy Division tomó de estas bandas un poco y lo mezcló en un estilo que sólo pocos han podido interpretar: el post-punk. Del proto-punk tomó su excentricidad y lírica. Del punk tomó la fuerza escénica y musical. En su etapa final también incorporaron la influencia de bandas electrónicas pioneras como Kraftwerk.
Unknown Pleasures es el primer LP de estudio de la banda británica Joy Division, publicado en Junio de 1979. La imagen de la portada muestra 100 pulsos sucesivos del primer pulsar descubierto. La cubierta trasera no contiene la lista de canciones, sino una tabla en blanco donde ésta debiera estar.
El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. Americana les ofreció un millón de dólares para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda.
A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".
Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors, Moby o John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers
Unknown Pleasures alcanzó el puesto número 71 de ventas de las listas inglesas en agosto de 1980. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.

1. Disorder
2. Day of the Lords
3. Candidate
4. Insight
5. New Dawn Fades
6. She's Lost Control
7. Shadowplay
8. Wilderness
9. Interzone
10. I Remember Nothing

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437. Chic – Risqué (1979)



Chic, una de las más exitosas y sin duda la más influyente de todas las bandas Disco, que encuentra su centro en la sección rítmica del bajo de Bernard Edwards y Nile Rodgers con su guitarra. Rodgers y Edwards también se desempeñaron como compositores y productores de la banda y de muchos otros hasta 1996. Junto con Saturday Night Fever y Donna Summer, Chic fue fundamental para convertir la música Disco en Comercial en su pico durante 1978 y principios de 1979. Se dice que la banda daba a conocer sus temas en la discoteca Studio 54 de New York y según la respuesta de la gente, decidían editarlos o no.
Risqué, su tercer album editado en 1979 por el sello Atlantic, constituyo otro sólido trabajo como LP que también fue Platinum, en cierto modo gracias a la fortaleza del segundo hit numero uno de Chic, "Good Times".
"Good Times" pudo no tener las mismas condiciones de rompe marcas de "Le Freak", pero este fue el Track mas imitado de la banda, en un plazo de 2 años Good Times había generado una estrecha imitación en el ritmo de "Another One Bites the Dust" de Queen y un mayor uso de las bandas sonoras de Sugarhill Gang en "Rapper's Delight"., fue el primer rap de mayor venta, siendo la primera de las varias veces que un surco de Chic seria reciclado e introducido dentro de las grabaciones Hip-Hop.

1.Good Times
2.Warm Summer Night, A
3.My Feet Keep Dancing
4.My Forbidden Lover
5.Can't Stand to Love You
6.Will You Cry (When You Hear This Song)
7.What About Me

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438. The Undertones – The Undertones (1st Album) (1979)



Gran banda formada en 1975 en Londonderry, Irlanda del Norte, se inspiraron en los grupos punk de la epoca como Buzzcocks, Ramones, entre otros. Pero su material es calificado como menos estridente y clasificado como pop punk. Al principio tocaban bajo el nombre de "The Hot Rods", pero como ya existia una banda con ese nombre lo cambiaron a The Undertones. Hay, en la página theundertones.net una definición de este grupo irlandés, que dice que los Undertones eran como los Beatles pero menos guapos y sin novias. El enfoque original, en el contexto del punk es que ellos no escogieron quejarse de todo esto, sino celebrar esa energía que les llevaba a soñar con estas cosas.
El primer éxito, relativo, lo consiguen cuando el sello Good Vibrations les edita un EP, el que llevaba ‘Teenage Kicks’ como tema principal, al principio no pasó nada, pero luego la banda entra en contacto con John Peel, quien llega a afirmar que es la mejor banda del momento y que ‘Teenage Kicks’ es su canción favorita de todos los tiempos, lo que provoca que el sello Sire entre en contacto con la banda y les firme un contrato para otro single y el primer LP de la banda, en el que se notan las influencias de las oleadas del rock de los 50, el glam, el punk y tímidos atisbos de new wave en los teclados de ‘Wrong Way’ o ‘Here Comes the Summer’. Mención aparte merece el tema más atrevido del disco, ‘True Confesions’, que recuerda a los Talking Heads producidos por Eno (la banda se confesaba admiradora de los de David Byrne), con esa tribal percusión programada y esos teclados que le hacen a uno preguntarse qué habría ocurrido si Brian Eno les hubiese producido. En 1983 se separaron tras discrepancias entre ellos, pero en 1999 volvieron a reunirse y actualmente la banda sigue tocando ocasionalmente, con Paul McLoone a la voz.

1. Family Entertainment
2. Girls Don't Like It
3. Male Model
4. I Gotta Getta
5. Teenage Kicks
6. Wrong Way
7. Jump Boys
8. Here Comes The Summer
9. Get Over You
10. Billy's Third
11. Jimmy Jimmy
12. True Confessions
13. (She's a) Runaround
14. I Know a Girl
15. Listening In
16. Casbah Rock
17. Smarter Than You
18. Emergency Cases
19. Top Twenty
20. Really Really
21. Mars Bars
22. She Can Only Say No
23. One Way Love

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439. Clash – London Calling (1979)



London Calling es el tercer álbum de los ingleses The Clash y el que jugó un papel importante tanto en lo comercial como en lo musical, así como el que incorporó finalmente la estética punk a la mitología de la música. La crítica musical suele considerarlo como uno de los mejores álbumes de la historia del rock, y es que la portada dice mucho por sí sola. El disco es clásico por donde se lo mire, puesto que esas letras son un claro homenaje a los antiguos discos de rock and roll (observar el disco debut y homónimo de Elvis Presley de 1956), y la foto que en ella se muestra incita a la revolución, a la rebeldía. Una portada que se ha convertido en todo un icono de la música punk.
Uno se pone en la piel de los que escucharon este disco en su momento y, cuesta imaginar lo que debió suponer encontrarse con el tema London Calling. ¿Exactamente que es este tema? ¿Punk rock, pop, ska? Un tema sencillo y al mismo muy rompedor, que se adivina clásico desde la mítica melodía de bajo que resalta por encima de las machacantes guitarras. Este himno del punk rock aborda el tema del no futuro de una manera bastante más inteligente que los Sex Pistols, y porque no, también más efectiva.
Aunque London Calling (1979) no es simplemente un manifiesto pesimista sobre la decadencia del mundo, el disco lo es todo. Es un disco agresivo, alegre, emotivo, frívolo, que ha hilado todo tipo de emociones a partir de distintos estilos, ya sea mediante un rock cincuentero, un ska o un power pop. London Calling (1979) es un disco blando de finales de los 70's, y además fue igualmente doble, con una cantidad de 19 temas aunque en CD pasó a ser solo un disco de poco más de una hora.
Si bien no todas las canciones son igual de apoteóticas, el disco mantiene una creíble fluidez porque los temazos espectaculares abundan y están bien distribuidos. Este es uno de esos discos en el que cada tema tiene su encanto especial, solo depende de con que perspectiva se lo escucha. London Calling es un disco imprescindible.

1.London Calling
2.Brand New Cadillac
3.Jimmy Jazz
4.Hateful
5.Rudie Can't Fail
6.Spanish Bombs
7.Right Profile, The
8.Lost in the Supermarket
9.Clampdown
10.Guns of Brixton, The
11.Wrong 'Em Boyo
12.Death or Glory
13.Koka Kola
14.Card Cheat, The
15.Lover's Rock
16.Four Horsemen
17.I'm Not Down
18.Revolution Rock
19.Train in Vain

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440. Japan – Quiet Life (1979)



Japan se crearon en 1974 en el sur de Londres, como un grupo de estilo glam, inspirándose en el Bowie de principios de la década o en Roxy Music, algo que, poco después, en plena eclosión del punk y la new wave podía resultar fuera de onda. Los principales responsables eran los hermanos Batt, aunque cambiaron sus apellidos y fueron conocidos como David Sylvian (cantante) y Steve Jansen (batería), inspirándose en David Johansen y Sylvain Sylvain, miembros del grupo de glam punk americano New York Dolls, cuya influencia sobre Japan era más perceptible en sus dos primeros discos.
El teclista Richard Barbieri, importante en el sonido de un grupo de estas características, el guitarrista Rob Dean y el bajista-multiinstrumentista Mick Karn también fueron miembros fundadores.
Con una estética fría que incluía elegantes ropas de color blanco, unido en el caso de Sylvian a un largo cabello rubio lo cual no tenía sentido entonces y generaba rechazo si no se era metalero, es en este, su tercer LP, donde consiguen un sonido más definido, en el que combinaron elementos del glam, pop, música electrónica (especialmente la alemana), new age y jazz, con la introducción del saxo tenor interpretado por Karn en varios temas (Fall in love with me o Despair), o añadiendo una versión remozada de The Velvet Underground, All tomorrow parties, que junto al tema que da título al disco resultan de lo más destacado.
Todo esto convierte a Quiet life en un disco revalorizado hoy día y por encima de otras experiencias similares de la época.

1. Quiet Life
2. Fall in Love With Me
3. Despair
4. In Vogue
5. Halloween
6. All Tomorrow's Parties
7. Alien
8. Other Side of Life

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441. Marianne Faithfull – Broken English (1979)



Conocida principalmente, y desafortunadamente, por sus affaires amorosos, en especial su romance con Mick Jagger, Marianne Faithfull es una de las beldades femeninas más reconocibles de la Gran Bretaña de los años 60, que al margen de sus variadas relaciones sentimentales, mantuvo desde mediados de década una volátil carrera como actriz y cantante, impulsada por el productor de los Rolling Stones, Andrew L. Oldham.
Marianne nació el 29 de diciembre de 1946 en Hampstead, Londres, en el seno de una familia acomodada, siendo hija del mayor y profesor universitario de filología Gynn Faithfull y de la austríaca Eva, la baronesa Edisso, descendiente de Leopold von Sacher-Masoch, el autor del libro “La venus de las pieles”, de quien deriva la palabra masoquista.
Broken English (1979) es uno de los discos más perturbadores de la discografía de Marianne Faithfull. De concepción estilística muy amplia, fusiona sintetizadores, estética punk, ecos de rock y de la new wave. Supone la ruptura definitiva entre la voz conocida de Faithfull en canciones pop de los años 60 (As tears go by) y la que ofrecerá en sus grabaciones posteriores, hasta la actualidad, debido a su confesado abuso de las drogas y el alcohol. Broken English incluye algunas de las canciones más conocidas de Marianne Faithfull. Es el caso de la que da título al álbum, la desesperanza de un ama de casa de clase media-. Pese a la corta duración del disco, apenas 37 minutos y 8 canciones, es una de esas gemas que deberías conocer.

1.Broken English
2.Witches' Song
3.Brain Drain
4.Guilt
5.The Ballad of Lucy Jordan
6.What's the Hurry
7.Working Class Hero
8.Why D'ya Do It

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442. Slits – Cut (1979)



Ari Up, Tessa Pollitt, Palmolive y Viv Albertine, son las culpables de esta joya que nació en el pesebre del punk, a finales de los 70, y que une el punk a esa afición que tenían los chicos de la época por el reggae más controvertido. Podemos decir que junto a Gang of four y los inconmensurables PIL, The Slits, y sus maneras minimalistas y a la vez provocativas, exorcizaron de un plumazo toda la hegemonía de los hombres en esto del punk. Desde "Instant hit" y sus continuas referencias a una Jamaica con crestas y mala uva, hasta la juvenil e infantil "So tought" se nota la validez de una propuesta que oída hoy hará sonrojear a tantas bandas de post-punk de baja estofa.
Sabidos por todos los viajes del ex-Pistols Lydon a las tierras de los rastafaris, y las incursiones de The Clash en ritmos calientes, The Slits supieron salirse del tiesto de la típica banda de imperdibles para correr hacia otros manantiales sonoros. Las chicas sabían lo que hacían. La portada (que tanto quebradero de cabeza causó a más de una feminista) las muestra embarradas y dispuestas a vociferar proclamas desde su interesante coctel de color. En apenas media hora y en diez temas suculentos, nos invitan a desfogarnos en vertederos de sudor. "New town" es una manera particular de anticipar la new wave desde postulados artys.Y hasta parecen disfrutar en "Typical girls" con el piano y la batería marcando el compás de un paseo por un extraño twist sideral.
Obra cautivadora y primigenia que debe de colocarse junto a Pil, Wire, Pop Group, y los mencionados Gang of Four, y que conserva intacta su imperfecciones necesarias.

1. Instant Hit
2. So Tough
3. Spend, Spend, Spend
4. Shoplifting
5. FM
6. Newtown
7. Ping Pong Affair
8. Love Und Romance
9. Typical Girls
10. Adventures Close To Home
11. I Heard It Through The Grapevine
12. Liebe And Romanze(Slow Version)

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443. Elvis Costello – Armed Forces (1979)



Declan MacManus no tenía ni un nombre ni una banda conocida por nadie en la última parte de 1976. Si algo si dejaba una impresión, eran sus ridículamente grandes anteojos. El hijo de un cantante de una banda de baile y de una gerente de un negocio de ventas de álbumes, Declan cantaba todos los fines de semanas para el grupo de country-rock Flip City, mientras en los días de semana se la pasaba dándole información en tarjetas a computadoras del tamaño de un cuarto. A diferencia de sus colegas, Declan realizó que el estrellato en el rock era inminente y consecuentemente se aprendió el difícil arte de aparecerse en las empresas discográficas. Una vez ahí, con su guitarra en las manos, les dio una audiencia a los ejecutivos, en vez de demandar una audición. No sorprende a muchos que no fue firmado hasta que no empezó a mandar sus cassettes de demostración por correo. El jefe de la empresa discográfica Stiff oyó uno y la letra de MacManus convenció al próximamente gran empresario de la industria de la música que habían encontrado a diferentes talentos juntos en una sola persona. Fue la urgencia en la voz de Declan que le dijo al productor de casa, Nick Lowe, antes bajista de Brinsley Schwarz, que habían encontrado a su primer talento. MacManus obtuvo una empresa discográfica que lo represente, un productor y un nombre: Elvis Costello. En las primeras instancias de su carrera subversiva, unió el nombre del rey con el de su abuela en gran parte porque el pensó que ""Elvis era mejor nombre que Jesus y casi tan exclusivo.""
""Armed Forces"" fue el álbum definitivo de protesta en la época después de la guerra de Vietnam. Elvis nos hace acordar de los viejos que comienzan las guerras y que los voluntarios en las trincheras son las víctimas y no los enemigos. Esto es Elvis en su expresión más política, dejando así de lado su actitud más de depreciación propia y calculado desinterés para tomar un papel más activo. The Attractions hicieron su parte para ayudar en la imagen con una mezcla extraña del rock de los años 60' que recordó muchos a la era pre-psicodélica de los Beatles y de los Byrds.
Con este álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.

1.Accidents Will Happen
2.Senior Service
3.Oliver's Army
4.Big Boys
5.Green Shirt
6.Party Girl
7.Goon Squad
8.Busy Bodies
9.Sunday's Best
10.Moods For Moderns
11.Chemistry Class
12.Two Little Hitlers

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444. Neil Young – Rust Never Sleeps (1979)



Rust Never Sleeps es el undécimo álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, respaldado por el grupo de apoyo Crazy Horse y publicado en 1979.
Mitad acústico, mitad eléctrico, este gran disco de Neil Young grabado en vivo, la mayoría de temas en el Cow Palace de San Francisco, California, con nuevas mezclas añadidas. (eliminando en el sonido del público), retoma la dualidad clave en la obra del canadiense, el folk acústico de cuidada melodía y el rock de fogosa y crujiente distorsión.
El lirismo críptico lleno de imaginería que ofrece el sardónico Neil es la clave en los textos de este álbum, inoxidable ante la sagaz y alegórica capacidad de escritura de Young, recuerdos cáusticos a Lynyrd Skynyrd en "Powderfinger", búsqueda de nuevas emociones en "Trasher", disertaciones anticolonialistas en "Pocahontas" o miradas a la evolución de la industria del rock (de Elvis a los Sex Pistols) en la imprescindible "My, My Hey Hey (Out of the blue)" y su espectacular y bestial sosias eléctrica "Hey, Hey, My, My (Into the black)".
Mientras en las piezas acústicas Young cuenta con el apoyo vocal de Nicolette Larson, el bajo de Joe Osborne y la batería de Carl Himmell, en la fracción rockera se unen los Crazy Horse con su característico sonido sucio, simplista y agrietado que alimentan con venenosa energía la crudeza natural de la guitarra del maestro. En 2003, la revista musical Rolling Stone emplazó a Rust Never Sleeps en el puesto 350 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1.My, My, Hey, Hey (Out of the Blue)
2.Thrasher
3.Ride My Llama
4.Pocahontas
5.Sail Away
6.Powderfinger
7.Welfare Mothers
8.Sedan Delivery
9.Hey, Hey, My, My (Into the Black)

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445. Gang of Four – Entertainment! (1979)



Gang of Four es un grupo inglés de música post-punk. Está formado por Jon King (cantante), Andy Gill (guitarrista), Dave Allen (bajo) y Hugo Burnham (batería). Fueron muy activos entre 1977 y 1984, y han reaparecido dos veces en los 1990s con King y Gill.
Su álbum debut, Entertainment!, alcanzó el puesto 490 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone's. Entertainment! es uno de los álbumes más influyentes en la historia del rock. El sonido plasmado representa la base de muchas bandas que actualmente se nos venden como “la novedad”.
Más allá de ser una banda post punk del montón, Gang of Four logró crear un sonido fresco, novedoso y adelantado para su época; utilizando una armónica, una Stratocaster y un diálogo funk entre el bajo y las percusiones.
Favoritos de John Peel y con letras políticamente incorrectas, fueron expulsados de la BBC justo antes de su presentación en Top of the pops por negarse a cambiar la letra de sus canciones. Durante la guerra de las Malvinas, su sencillo I love a man in uniform (con referencias claras al hecho) fue retirado de la radio inglesa. Esta canción es parte del memorable prólogo de Maria Antonieta (Sofía Coppola Eu, 2006), las notas y lírica acompañan el baño real de Kirsten Dunst y son pieza clave dentro de la película.
Fantástico objeto de museo que deberíamos escuchar para olvidar la realidad musical invadida por espejismos vacuos.

1.Ether
2.Natural's Not in It
3.Not Great Men
4.Damaged Goods
5.Return the Gift
6.Guns Before Butter
7.I Found That Essence Rare
8.Glass
9.Contract
10.At Home He's a Tourist
11.5-45
12.Anthrax
13.Outside the Trains Don't Run on Time
14.He'd Send in the Army
15.It's Her Factory
16.Armalite Rifle

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446. Cheap Trick – At Budokan (1979)



Cheap Trick es una banda de rock de los Estados Unidos, formada en Rockford, Illinois, que ganó popularidad a finales de la década de los setenta. El grupo está integrado por Rick Nielsen (guitarra solista, coros y principal compositor), Robin Zander (cantante y guitarra rítmica), Tom Petersson (bajista) y Bun E. Carlos (batería), componentes que fueron sus fundadores en 1974. A pesar de que se formó antes de la aparición del punk y su estilo se acercaba al rock purista, la llegada del éxito en 1979 les asoció con la entonces denominada new wave —e incluso con el AOR— y más tarde con el power pop. Ellos mismos se etiquetan en tono jocoso como psychorock.
Cheap Trick logró el éxito en Japón antes que en su propio país, llenando el estadio Budokan y grabando un disco en vivo. Entre las canciones más célebres del grupo destacan «I Want You to Want Me», «Dream Police», «The Flame» y el cuasi himno generacional de los adolescentes WASP de los suburbios de clase media: «Surrender», una exploración pop de los problemas típicos de los jóvenes.
El espectáculo fue lanzado en octubre como un álbum en directo titulado Cheap Trick at Budokan (Epic, 1978, Japón), destinado a ser editado exclusivamente en Japón. Sin embargo, el álbum entró en las listas de ventas de Estados Unidos gracias a las copias de importación, y la demanda llegó a ser tan grande que finalmente Epic lanzó allí oficialmente el álbum en febrero de 1979.
Cheap Trick at Budokan (Epic, 1979, EE.UU.) les convirtió en estrellas internacionales. Alcanzó el nº4 en las listas de álbumes de Estados Unidos, donde permanecería un año; en tres meses se hizo Disco de Platino y más tarde Triple Platino, con 3.000.000 de copias vendidas; y la versión en directo de «I Want You to Want Me», primer sencillo, llegó al nº7 en la lista Hot 100 (el segundo, «Ain't That A Shame», llegó al nº35). Esto, además, arrastró a los primeros álbumes de la banda, a conseguir altas ventas que no se habían dado y como consecuencia innumerables discos de Oro. Otro grandioso álbum de esta colosal banda.

1. Hello There
2. Come On, Come On
3. Lookout
4. Big Eyes
5. Need Your Love
6. Ain't That a Shame
7. I Want You to Want Me
8. Surrender
9. Goodnight Now
10. Clock Strikes Ten

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447. Fleetwood Mac – Tusk (1979)



Si alguna formación en la historia del pop-rock ha evolucionado de manera drástica su sonido esa es Fleetwood Mac. Surgidos en el año 1967 en Gran Bretaña como banda arraigada en el blues-rock dentro del contexto psicodélico, su desarrollo musical, significado por el desequilibrio emocional de sus principales mentores artísticos y la incorporación de talentos amamantados en disímiles resonancias, fue derivando en ofertas más comerciales con orientaciones pop y soft-rock. Además de ser de las bandas de blues y rock más influyentes y comercialmente más exitosas que hayan existido.
"Tusk" (1979), consiguió otro gran triunfo comercial aunque sin llegar a los niveles extraordinarios del anterior. De esteálbum se desprenderían éxitos como Sara, Tusk y Over my head, aunque no repetirían lo logrado con Rumours. La gira promocional de Tusk sería reflejada en la placa doble Fleetwood Mac Live (1980), la cual contendría las canciones inéditas Fireflies y Farmer's Daughter.

1. Over and Over
2. The Ledge
3. Think About Me
4. Save Me a Place
5. Sara
6. What Makes You Think You're the One
7. Storms
8. That's All for Everyone
9. Not That Funny
10. Sisters of the Moon
11. Angel
12. That's Enough for Me
13. Brown Eyes
14. Never Make Me Cry
15. I Know I'm Not Wrong
16. Honey Hi
17. Beautiful Child
18. Walk a Thin Line
19. Tusk
20. Never Forget

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448. Pink Floyd –The Wall (1979)



Enorme, soberbio, excesivo, pretencioso, genial, enigmático, desfasado... no hay adjetivos para calificar este disco, una de las más famosas "óperas rock" que se ha hecho. Si miramos las letras fríamente, es la biografía de un músico de rock en plena decadencia, que se aisla del mundo con las drogas y construyendo un mundo alrededor, aunque se le pueden dar mil significados.
The Wall es un álbum de estudio y el decimotercero de la banda británica de rock progresivo y espacial Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Fue lanzado el 30 de noviembre del mismo año en el Reino Unido y el 8 de diciembre en los Estados Unidos.
Este disco doble es una ópera rock que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", basado en su mayoría de las vivencias del propio Waters, conviertiéndolo así en una especie de alter ego antihéroe. Descripto por Roger Waters, Pink es enfermo mental debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aisla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Es señalada por la crítica musical y seguidores del grupo como "uno de los mejores trabajos de la banda" y "uno de los mejores en la historia del rock", cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial mundial acreditándose discos de platino en más de veintitrés ocasiones, situándolo como el disco más vendido en los años 70s y en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos.

DISC 1:
1.In the Flesh?
2.The Thin Ice
3.Another Brick in the Wall Part 1
4.The Happiest Days of Our Lives
5.Another Brick in the Wall Part 2
6.Mother
7.Goodbye Blue Sky
8.Empty Spaces
9.Young Lust
10.One of My Turns
11.Don't Leave Me Now
12.Another Brick in the Wall Part 3
13.Goodbye Cruel World
DISC 2:
1.Hey You
2.Is There Anybody Out There?
3.Nobody Home
4.Vera
5.Bring the Boys Back Home
6.Comfortably Numb
7.The Show Must Go On
8.In the Flesh
9.Run Like Hell
10.Waiting For the Worms
11.Stop
12.Trial, The
13.Outside the Wall

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449. Public Image Ltd – Metal Box (1979)



Public Image Ltd., también conocida como PiL, fue una banda de música post-punk mayormente conocida al estar encabezada por John Lydon (alias Johnny Rotten), ex miembro del grupo punk Sex Pistols. Pil fue una de las bandas más inovadoras e influyentes del movimiento "post-punk" de finales de años 1970 y durante los 80.
Metal Box reflejaba a un grupo al 100% concentrado y enfocado en llevar la musica a sus limites, desde la radicalidad extrema del Captain Beefheart, la exploracion ritmica de unos Can, el sonido innovador de unos Neu! y la densidad musical del dub caracteristico de Lee Scartch Perry o de King Tubby.

Lydon (en otro tiempo Rotten) continua adoptando un estilo vocal tan radical como la de la misma Yoko Ono, con la misma potencia de un Peter Hammill, mientras que Keith Levene continua con su guitarra mezcla de abrelatas, alambre de púas y vidrios quebradizos, mientras que Jah Wobble introduce sus líneas de bajo profundas, y graves a más no poder, el grupo más innovador de su época, en pleno dominio de sus excelsas facultades musicales.
John Lydon y su Public Image Ltd podrían considerarse como el paradigmático pasaje del punk al post punk, de ahí al universo de la new wave. El nuevo John ya no buscaba escandalizar, y su nueva causa era puramente musical: experimentar con diversos ritmos y estar siempre un paso adelante. Así nos regaló un puñado de buenos discos, en especial el magnífico Metal Box.

1. Albatross
2. Memories
3. Swan Lake
4. Poptones
5. Careering
6. No Birds
7. Graveyard
8. Suit
9. Bad Baby
10. Socialist
11. Chant
12. Radio 4

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450. Michael Jackson – Off the Wall (1979)



Quinto álbum y lanzamiento definitivo como solista de Michael Jackson, con unas perspectivas de futuro fantásticas, obtuvo unas ventas millonarias y recibió su primer Premio Grammy, al mejor cantante de rhythm & blues, por el tema Don't stop 'til you get enough. Editado en 1979. Con alrededor de 25 millones de copias vendidas, 7,5 de ellos en Estados Unidos, es uno de los 100 discos más vendidos de la historia y un hito imprescindible de la música disco. Producido por Quincy Jones, supone para Jackson el haber alcanzado ese cierto grado de madurez que permite ciertas extravagancias.
Off the Wall fue lanzado a la venta la semana en que Michael Jackson cumplió 21 años de edad, y no mucho tiempo más tarde, la revista Rolling Stone, lo incluye entre los 100 discos más vendidos de 1979.
Cuatro son los temas firmados por Jackson en este álbum, de los cuales el primer single, "Don't Stop 'Til You Get Enough", fue un gran éxito en los Estados Unidos y en Gran Bretaña. Stevie Wonder le ofreció a Jackson el tema "I Can't Help It", y Paul McCartney la canción "Girlfriend". Rod Temperton, el letrista que más tarde colaboraría en el álbum Thriller, ofreció en esta ocasión joyas como "Rock With You", que alcanzó el nº1 en EE. UU., o el tema que da título al disco, "Off the Wall". Otra de las canciones a destacar es "She's Out of My Life", tema que Jackson incluyó siempre en sus giras por su gran valor emocional. Otro tema que alcanzó una popularidad notable sin haber sido lanzado como single fue "Working Day And Night", que Michael Jackson también incluyó en muchas de sus giras.
Off the Wall merece una mención aparte en lo que respecta al tipo de música del álbum. A diferencia de los discos previos y posteriores al mismo, contiene un sonido mucho más soul y se aproxima más a las melodías de música afroamericana.
Para Off the Wall se grabaron dos vídeos musicales con el fin de promocionar el álbum. Los vídeos fueron "Don't Stop 'Til You Get Enough" y "Rock With You", ambos alcanzando el primer puesto en las listas de popularidad de EE.UU. Ambos temas serían incluidos en diversas compilaciones de grandes éxitos del artista, en especial en Number Ones, un disco que recopila todos sus números 1. Un magnánimo álbum que abriría paso al futuro reinado del “rey del pop”

1. Don't Stop 'til You Get Enough
2. Rock With You
3. Workin' Day and Night
4. Get On the Floor
5. Off the Wall - (featuring The Seawind Horns)
6. Girlfriend
7. She's Out of My Life
8. I Can't Help It
9. It's the Falling In Love
10. Burn This Disco Out

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seguimos con ello, gracias y salu2.

greenredlie debe tener la conciencia intranquila al adjudicarse trabajo de mi autoría en este portal. No me molesta que lo hagan cuando se indica la fuente y la honestidad sobresale, siempre ha sido mejor dos lugares en lugar de uno cuando la intención es compartir. Pueden encontrar el proyecto completo en "http://www.taringa.net/perfil/Filiby", además de un proyecto similar con exclusividad de rock iberoamericano. En cuanto a greenredlie ¿tendrá la fortaleza para aceptar que ha intentado defender un trabajo que no le pertenece?