27-ene-2010
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1001 discos que debes escuchar antes de morir (Trigésima Quinta Parte) 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Trigésima Quinta Parte)
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuáles son y en qué momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.
Seguimos con la lista... .
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851. Daft Punk - Homework (1997)
En 1993 el primer sencillo de Daft Punk, "The New Wave" fue lanzado limitadamente. El sencillo también contenía la mezcla final de The New Wave, "Alive” . En 1995 volvieron al estudio para grabar "Da Funk", su segundo sencillo. Ese mismo año se convirtió en su primer sencillo comercialmente exitoso. La banda firmo con Virgin Records en 1996. Alive y Da Funk fueron posteriormente incluidos en su álbum debut en 1997, Homework. El sencillo más exitoso de Homework fue "Around The world". Junto con este disco salió la película D.A.F.T. A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes que precisamente eran los videos Da Funk, Around The World, Burnin' y Revolution 909 unidos como si fuera una película.
Daft Punk es un dúo artístico originario de París, Francia; conformado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. El estilo de la agrupación es música electrónica compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno, house y synth. Antes de llamarse Daft Punk, se llamaban Darlin, y además de Bangalter y Homem-Christo también formaba parte otro artista llamado Laurent. El primer single The New Wave fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).
1.Daftendirekt
2.WDPK 83.7 FM
3.Revolution 909
4.Da Funk
5.Phœnix
6.Fresh
7.Around the World
8.Rollin’ & Scratchin’
9.Teachers
10.High Fidelity
11.Rock’n Roll
12.Oh Yeah
13.Burnin’
14.Indo Silver Club
15.Alive
16.Funk Ad
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852. Robbie Williams - Life Thru A Lens (1997)
Nacido el 13 de febrero de 1974 en Stoke on Trent, Staffordshire, Inglaterra. Williams era el tipo descarado del tremendamente famoso grupo musical masculino Take That y, en aquel momento, parecía ser el único que podía portarse mal o normal.
Cuando Take That se disolvió, todos los pronósticos apuntaban a que Mark Owen y Gary Barlow ocuparían su lugar. Se tenían pocas esperanzas en Williams, que inmediatamente empezó a sacudir los medios de comunicación con historias en contra de Barlow. Mientras Barlow era presentado como el nuevo George Michael, Williams no hacía más que causar problemas. Se separó, se excedió y parecía prestar escasa atención a la música. Como era de esperar, en agosto de 1996 sacó su primer sencillo, una versión encubierta del ´Freedom´ de George Michael. Tras su estancia en una clínica de desintoxicación, un aparentemente más sensato Robbie siguió el resplandor del sol, pestañeó y grabó un excelente álbum que eclipsó, tanto musicalmente como respecto al recibimiento de la crítica, el primer trabajo de Barlow.
´Life Thru A Lens´ (Chrysalis, 1997) era una alegría desde el principio hasta el fin e incluía el simbólico ´Old Before I Die´, que se colocó en el número 2 de las listas de éxitos británicas tras ´Freedom´. El relativo fracaso de los siguientes sencillos ´Lazy Days´ y ´South Of The Border´ puso en tela de juicio el aguante de Williams antes de que el sencillo aparecido en Navidad, "Angels", hiciera resurgir, prácticamente sin la ayuda de nadie, su renqueante carrera. El álbum, cuyas ventas habían bajado en picado, entró por primera vez en la lista de los 10 Principales del Reino Unido y, finalmente, llegó al número uno 28 semanas después de salir a la venta.
Jamás tantos entendidos y críticos se habían equivocado tanto.
1.Lazy Days
2.Life thru a Lens
3.Ego a Go Go
4.Angels
5.South of the Border
6.Old Before I Die
7.One of God’s Better People
8.Let Me Entertain You
9.Killing Me
10.Clean
11.Baby Girl Window
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853. Mariah Carey - Butterfly (1997)
Después de un año sin publicar álbum y con el divorcio de su ex marido Tommy Mottola llegó el sexto trabajo de estudio de Mariah Carey titulado "Butterfly", quizás reflejo de la libertad y felicidad que Carey sentía en ese momento. Este álbum es el nexo entre la Mariah de los primeros años y la que estaba por venir y digo esto porque esta compuesto de preciosas baladas, aquellas a las que nos tenia acostumbrados, junto a sensacionales canciones R&B que dejaron un gran sabor de boca y que en discos posteriores no se volverían a repetir con la calidad que tienen en este trabajo. El álbum abre con el primer single y éxito indiscutible de los 90, "Honey", un trabajo con "Puff Diddy" que enlaza con la balada que da nombre al disco. A continuación suena "My all", una de las baladas más conocidas y exitosas de Mariah que llegó incluso a grabarse en español. Con "The roof", "Breakdown" y "Babydoll" llega el esplendor del nuevo estilo de Mariah, impresionantes canciones que crean un ambiente sensual y atmosférico a base de ritmos R&B. Luego las baladas"Whenever you call" y "Outside" ponen el broche de oro a esta estupenda pieza muscial. En "Butterfly" también hay lugar para buenas melodías club de la mano del veterano David Morales que nos ofrece mezclas alternativas de Butterfly (Fly Away) más otra de Honey y es que no son simples remixes, son dos temas muy bien elaborados donde Mariah grabó nuevas vocales acordes con este estilo. Desde luego siempre me hubiera gustado que Mariah hubiese hecho un álbum dance con Morales, seguramente habría sido un gran éxito. Anecdóticamente la canción Butterfly iba a ser un tema house pero Mariah prefirió que fuera una balada para expresar con mas emoción la letra. En una entrevista Mariah reconoció que este disco estaría siempre al principio de la lista de sus mejores álbumes.
1.Honey
2.Butterfly
3.My All
4.The Roof
5.Fourth of July
6.Breakdown
7.Babydoll
8.Close My Eyes
9.Whenever You Call
10.Fly Away
11.The Beautiful Ones
12.Outside
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854. Supergrass - In It For The Money (1997)
A mediados de los noventa, la escena musical se rindió ante las -sobredimensionadas- excelencias del pop británico. El llamado brit-pop desbancó a las depresivas hordas de Seattle, con colorismo y ganas de recuperar su vasta herencia musical, desde The Beatles hasta The Smiths, pasando por The Jam, Wire o Stone Roses. Muchas bandas salieron a la luz, apoyadas por el éxito del combate mediático establecido entre Blur y Oasis: un perfecto caldo de cultivo para el hype.
En 1993, tres adolescentes de Londres forman Supergrass. Sus primeros tanteos musicales se decantan por el funk, aunque los resultados no son nada satisfactorios hasta que deciden liberar su inspiración sixties. Con la vista -y la guitarra- puesta en la energía melódica de The Who, The Jam, Buzzcocks y otras luminarias de la tradición británica, dan lugar a su primer single en 1994. Caught by the fuzz y su contagioso estribillo crea un gran revuelo en los semanarios musicales, ávidos de nuevas estrellas para la escena. Un par de singles más preceden la aparición de I should Coco (1995), su primer álbum. Gracias a buenos estribillos y una imagen muy atractiva -jóvenes, guapos.. el cantante Gaz Coombes incluso había sido modelo publicitario-, el álbum ayuda a la expansión del virus brit-pop desde la vertiente más desenfadada y adolescente. Para evitar la etiqueta teen, su segundo álbum plantea un sonido más maduro y enriquecido con buenos arreglos que expanden sus registros.
In It for the Money es el segundo álbum de estudio grabado por la banda británica. Lanzado en 1997 fue definido por la revista NME como "más divertido que observar a un wombat en una lavadora" y la incluyó en su lista de los 10 mejores álbumes del año. Por su parte, los lectores de la publicación especializada Q lo situaron como el 68 mejor álbum de todos los tiempos. En el año 2000, la misma revista colocó al disco en el número 57 de su lista de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos. En Estados Unidos se editó una versión especial del álbum que contenía varias rarezas.
1.In It for the Money
2.Richard III
3.Tonight
4.Late in the Day
5.G-Song
6.Sun Hits the Sky
7.Going Out
8.It’s Not Me
9.Cheapskate
10.You Can See Me
11.Hollow Little Reign
12.Sometimes I Make You Sad
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855. Bob Dylan - Time Out of Mind (1997)
El 30 de septiembre de 1997, por fin, Bob Dylan estaba de vuelta. Llevaba siete años sin publicar composiciones propias, sólo un par de discos de versiones de viejas canciones Folk y Blues y un directo. Lo cierto es que ya no se esperaba demasiado de él, parecía que iba a ser otro de los grandes “dinosaurios” que habían sido grandes en el pasado y se dedicaban a vivir de las rentas. Y, de repente, el genio estaba de vuelta. Bob Dylan sorprende al mundo musical con un disco excepcional, una obra maestra y uno de los mejores de su carrera, el que hacía el número 30 de sus discos grabados en estudio: Time Out Of Mind.
Ahora es muy normal ver a Bob Dylan recibiendo todo tipo de parabienes y de críticas positivas por cada cosa que hace, antes de este disco eso no era tan habitual. Aquí es dónde el genio de Minessotta recupera el crédito. El disco fue recibido por la crítica con muy buenos ojos, y alcanzó el Top Ten, obteniendo un disco de platino, cosa que Dylan no conseguía desde hacía 20 años, y ganando 3 premios Grammy. (Mejor disco, Mejor disco Folk y mejor intérprete masculino de Rock por la sensacional canción “Cold Iron Bounds”.
Durante su discurso, dijo: "Sólo me gustaría decir que una vez cuando yo tenía dieciséis o diecisiete años, fui a ver a Buddy Holly en el Duluth National Guard Armory... Estaba a tres pasos de él... y me miró."
El caso es que su éxito resucitó el interés por Dylan, que dura hasta el día de hoy, y las entradas de sus conciertos se agotaron muy pronto.Por lo demás, las canciones del disco son, en su gran mayoría, canciones de amor. De amores perdidos, de amores no correspondidos, de amores perseguidos … canciones tristes en su mayoría, pero desde luego canciones muy bonitas, dignas del repertorio de este grande.
Musicalmente las principales influencias son las del Dylan de toda la vida, el Folk con toques country, las clásicas baladas acústicas cantadas con su peculiar voz rota, el blues y el R&B con toques Folk, cantadas como hace mucho tiempo que no cantaba Bob Dylan, y con un sonido y unos arreglos, muy logrados, con la producción de Daniel Lanois, viejo colaborador de Bob Dylan.
El genio estaba de vuelta, y una vez recuperado, ganaría el Oscar por la canción “Things Have Changed”, de la película “Jóvenes Prodigiosos”. En fin, un disco muy emocionante que marcaba la sorprendente vuelta de Bob Dylan a la primera línea, uno de los mejores discos en su carrera.
1.Love Sick
2.Dirt Road Blues
3.Standing in the Doorway
4.Million Miles
5.Tryin' to Get to Heaven
6.'Til I Fell in Love with You
7.Not Dark Yet
8.Cold Irons Bound
9.Make You Feel My Love
10.Can't Wait
11.Highlands
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856. Roni Size & Reprazent - New Forms (1997)
Reprazent, un colectivo de drum 'n' bass de Bristol (Inglaterra), se hizo famoso en el país en 1997 cuando su líder y fundador, Roni Size (nacido en Inglaterra), recibió ese año el premio Mercury. Gran parte de los elogios se centraban en la fusión que Size hacía de lo nuevo y lo viejo -los ritmos jungle propulsores acompañados de batería y doble bajo. El grupo, integrado por Size (composiciones/programación), DJ Krust, Onallee (voces), MC Dynamite y el cantante de rap Bahmadia (un ex miembro de Gang Starr), se formó en la diparatada y desmesurademante febril escena de clubes de Bristol. Como resultado, el arte elegante y altamente musical de Reprazent con el drum 'n' bass recibe asimismo influencias del hip-hop, el funk, el soul y el house. Size fue expulsado de la escuela a los 16 años, y empezó a asistir a las fiestas privadas de los inconformistas de Bristol, los Wild Bunch (más tarde conocidos como Massive Attack ). Su futuro socio, Krust, prontó coqueteó con la fama como componente de Fresh 4, cuyo "Wishing On A Star" se situó en el Top 10 británico a finales de 1989. El primer trabajo de Reprazent, New Forms, fue editado por Full Cycle Records, un sello que dirigen conjuntamente Size y DJ Krust. Size describió su mezcolanza de influencias como intitutivas: "Krust sólo tiene que entrar en el estudio moviendo la cabeza. Con eso ya sé que obtendremos un fruto. No le hace falta apretar un botón o decirnos lo que piensa, porque nosotros ya sabemos lo que está pensando." Como consolidación del principal éxito (el más relevante de la música jungle desde el primer trabajo de Goldie), Reprazent se convirtió en la música del verano de 1997 gracias a una serie de actuaciones en festivales (entre otros, el Tribal Gathering).
Disc 1:
1. Railing
2. Brown Paper Bag
3. New Forms
4. Let's Get It On
5. Digital
6. Matter Of Fact
7. Mad Cat
8. Heroes
9. Share The Fall
10. Watching Windows
11. Beatbox
12. Morse Code
13. Destination
Disc 2:
1. Intro
2. Hi-Potent
3. Trust Me
4. Change My Life
5. Share The Fall
6. Down
7. Jazz
8. Hot Stuff
9. Ballet Dance
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857. Elliott Smith - Either/Or (1997)
Steven Paul Smith más conocido como Elliott Smith, fue un cantautor estadounidense de indie pop. Su instrumento principal fue la guitarra acústica, aunque también utilizaba el piano, el clarinete, el bajo, la armónica y la batería. Smith tenía una suave voz característica y habitualmente recurría a la grabación multipista de su propia voz para crear armonías vocales.
Aunque Smith nació en Omaha, Nebraska, creció en Texas, y murió en Los Ángeles, California, residió durante la mayoría de su vida en Portland, Oregón, donde consiguió sus primeros éxitos.
Antes de empezar su carrera en solitario, tocó durante varios años en la banda de rock Heatmiser, con la que llegó a sacar varios discos. Sacó su primer disco en solitario en 1994 con publicaciones de los sellos independiente Cavity Search Records y Kill Rock Stars. Posteriormente firmó un contrato en 1997 con la discográfica mucho mayor DreamWorks Records, con la que sacó dos álbumes.
En 1996, el director de cine Jem Cohen grabó a Smith tocando canciones en acústico para el corto Lucky Three: an Elliott Smith Portrait. Dos de estas canciones aparecieron en su siguiente publicación Either/Or, otra edición de Kill Rock Stars que salió a la venta en 1997 con buenas críticas y que se convirtió en su álbum más aclamado. En el álbum podemos encontrar a un Elliott Smith experimentando con una instrumentación completa, con varias canciones conteniendo bajo, batería, teclado y guitarras eléctricas, todos tocados por el propio Smith. El título del disco está inspirado en el libro del mismo título (O lo uno o lo otro en español) del filósofo danés Søren Kierkegaard, que trata temas como la psicología existencial, el miedo, la muerte o Dios.
Para entonces, el grave problema con la bebida se agravó por el uso de antidepresivos. Al finalizar la gira de Either/Or, unos cuantos de sus mejores amigos llevaron a cabo una intervención en Chicago, aunque resultó infructuosa. Smith luchó contra la depresión, el alcoholismo y la drogadicción durante muchos años, y estos temas fueron habitualmente tratados en las letras de sus canciones. Murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinfligidas.
1.Speed Trials
2.Alameda
3.Ballad of Big Nothing
4.Between the Bars
5.Pictures of Me
6.No Name No. 5
7.Rose Parade
8.Punch and Judy
9.Angeles
10.Cupid’s Trick
11.2:45 A.M.
12.Say Yes
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858. The Verve - Urban Hymns (1997)
The Verve estuvo compuesto originalmente por el vocalista Richard Ashcroft, el guitarrista Nick McCabe, el bajista Simon Jones y el baterista Peter Salisbury. Simon Tong se incorporó posteriormente como guitarrista. Fue uno de los grupos británicos más importantes de los años 1990, a pesar de las discusiones internas, problemas de salud, adicciones a las drogas y diversos pleitos judiciales que afectaron a sus integrantes.
Urban Hymns es el tercer álbum de la banda. Fue lanzado al mercado en septiembre de 1997, y contiene 13 canciones. Llegó a ocupar la posición #1 en los charts de Inglaterra, siendo uno de los álbumes más vendidos del año, y recibiendo excelentes críticas por parte de la prensa especializada. La canción principal del mismo, Bitter Sweet Symphony, es reconocida mundialmente, y ha mantenido su notoriedad a lo largo del tiempo.
Por primera vez en su carrera, The Verve experimentaba el éxito comercial. No sólo fue un éxito en el Reino Unido, sino que también lo fue en los EE. UU. y en gran parte del resto del mundo.
El primer sencillo, Bitter Sweet Symphony, entró en las listas británicas en el #2, y llegó hasta el #12 en los EE. UU. Posteriormente sería lanzado el segundo sencillo, The drugs don't work, el cual alcanzaría el #1 UK en el Reino Unido. Finalmente serían editados Lucky man (#7 UK) y Sonnet. El álbum alcanzaría ventas de más de 3 millones de unidades en el Reino Unido.
En el año 1998, los lectores de la revista Q votaron a Urban hymns en el puesto #18 como Mejor álbum de la historia. Simultáneamente, los editores de dicha revista lo votaron en el #16. Ese mismo año, Urban Hymns obtendría el galardón de Mejor álbum del año en los Brit Awards 1998, superando a bandas como Radiohead y Oasis. The Verve también obtendría el premio a Mejor grupo del año.
Si bien la letra de Bitter Sweet Symphony fue escrita en su totalidad por Richard Ashcroft, al día de hoy está acreditada también a Mick Jagger y Keith Richards. Esto es debido a que la canción utiliza un riff similar a The Last Time, canción de los Rolling Stones. The Verve originalmente había negociado la utilización de este riff, pero la compañía que poseía los derechos argumento que lo utilizó "más de lo estipulado". El problema llegó a instancias legales, donde The Verve se vio obligado a compartir los derechos de la misma.
1.Bitter Sweet Symphony
2.Sonnet
3.The Rolling People
4.The Drugs Don’t Work
5.Catching the Butterfly
6.Neon Wilderness
7.Space and Time
8.Weeping Willow
9.Lucky Man
10.One Day
11.This Time
12.Velvet Morning
13.Come On
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859. Spiritualized - Ladies & Gentlemen, We are Floating In Space (1997)
Formados de las cenizas de los desaparecidos Spacemen 3 a primeros de los 90 y bajo el indiscutible liderazgo de Jason Pierce - guitarra, voz y compositor de la práctica totalidad de los temas - Spiritualized han sido una de las bandas más influyentes de la última década. Su sonido, muy personal, combina el minimalismo más hipnótico con los tonos épicos. Una aparente contradicción que sólo el talento de Pierce es capaz de convertir en una realidad tangible y tremendamente efectiva.
La Velvet, John Coltrane, John Cage y Phil Spector, The Byrds o India Raga son tan sólo algunas de las eclécticas influencias reconocibles en su música, en la que tienen cabida herencias tan dispares como la del compositor minimalista LaMonte Young o los Beach Boys. El propio Pierce ha definido la música y el espíritu de Spiritualized como soul, blues, e incluso, en ocasiones, jazz, por no mencionar las obvias categorías de pop y rock'n'roll.
El primer larga duración de la banda, "Lazer guided melodies", se publica en 1992. Un álbum que fue presentado en el tour 'Rollercoaster'en el que el grupo compartió escenario con Jesús and Mary Chain y Curve. Le siguió, "Fucked Up Incide", un disco en directo grabado el 21 de noviembre de 1992 en el Hollywood Palladium de Los Ángeles. "Pure Phase", probablemente su trabajo más oscuro, fue su segundo álbum de estudio, publicado en 1995. Por aquel entonces Spiritualized estaba formado por Pierce (guitarra y voz), Kate Radley (guitarra y teclados) y el bajista Sean Cook. En su siguiente trabajo, "Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space" se incorpora Damon Reece a la batería, dando lugar a su álbum más conocido y aclamado por la crítica, lanzado en 1997 y escogido por la revista musical británica NME como su Álbum del Año.
1.Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space
2.Come Together
3.I Think I’m in Love
4.All of My Thoughts
5.Stay with Me
6.Electricity
7.Home of the Brave
8.The Individual
9.Broken Heart
10.No God Only Religion
11.Cool Waves
12.Cop Shoot Cop…
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860. Dandy Warhols - Dandy Warhols Come Down (1997)
The Dandy Warhols son un grupo de rock estadounidense, formado en Portland, Oregón. El nombre del grupo es un juego de palabras con el nombre del artista pop Andy Warhol.
The Dandy Warhols están fuertemente influenciados por The Velvet Underground, Beach Boys, Simon and Garfunkel, The Beatles, The Shadows, The Rolling Stones y The Brian Jonestown Massacre, también aparecen referencias a My Bloody Valentine en algunas de sus canciones.
A mediados de los 90, Courtney Taylor –voz y guitarra-, Peter Holmstrom –guitarra- Zia McCabe –teclados y bajo- y Eric Hedford –batería- forman el grupo en Portland, Oregón. Su primera referencia no se hace esperar y ‘Dandy’s rule, ok?’ aparece en 1995. Sin descubrir la sopa de ajo, el debut de The Dandy Warhols toca diversos palos con acierto, aunque su propuesta se antoja demasiado dispersa todavía. Temas como ‘Ride’ o ‘Lou Weed’ muestran desde el propio título las influencias a las que se deben, en un ejercicio tan honesto como divertido. ‘Dandy Warhols come down’ (1997) es su segundo trabajo, un disco que empieza a solidificar el culto underground que recibe el cuarteto, sobre todo en Europa.
Recientemente fueron escogidos por David Bowie para actuar como teloneros en su gira Reality y, recientemente, han aparecido junto a The Brian Jonestown Massacre en el documental indie Dig!, que obtuvo el premio del Gran Jurado al Mejor Documental en el Festival de Cine de Sundance.
1.Be-In
2.Boys Better
3.Minnesoter
4.Orange
5.I Love You
6.Not If You Were the Last Junkie on Earth
7.Every Day Should Be a Holiday
8.Good Morning
9.Whipping Tree
10.Green
11.Cool as Kim Deal
12.Hard On for Jesus
13.Pete International Airport
14.The Creep Out
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861. Bob Dylan - Bootleg Series Vol 4: Live 1966 (1998)
The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert es un álbum en directo del músico estadounidense Bob Dylan que recoge la legendaria gira mundial de 1966. Publicado en 1998 tras años disponible únicamente como bootleg, es reconocido como un documento esencial en el desarrollo de la música popular en los años sesenta.
El álbum debutó en las listas de Billboard el 24 de octubre de 1998 en el puesto #31. El 11 de noviembre de 2005 fue certificado como disco de oro por la RIAA. En el Reino Unido se alzó hasta el puesto #19.
Tras una gira por Norteamérica desde mediados de 1965 hasta el invierno de 1966, Dylan, acompañado de The Hawks (posteriormente renombrados como The Band), se embarcaron en una gira de seis semanas durante la primavera del 66, dando inicio a la misma en Australia y finalizando en Londres. El paso de Dylan a la música eléctrica, y su aparente desconexión con la tradicional música folk, continuó generando controversia, llegando a decir el público británico acerca de él que era "un vendido".
Una grabación del concierto vio la luz a finales de 1970 o comienzos de 1971 en bootlegs con formato vinilo y con un título variable.
1.She Belongs to Me
2.4th Time Around
3.Visions of Johanna
4.It’s All Over Now, Baby Blue
5.Desolation Row
6.Just Like a Woman
7.Mr. Tambourine Man
8.Tell Me, Momma
9.I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met)
10.Baby, Let Me Follow You Down
11.Just Like Tom Thumb’s Blues
12.Leopard-Skin Pill-Box Hat
13.One Too Many Mornings
14.Ballad of a Thin Man
15.Like a Rolling Stone
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862. Manu Chao - Clandestino (1998)
Manu Chao es hijo del periodista Ramón Chao, gallego de Vilalba (Lugo) y de madre vasca de Bilbao. A los 14 años tuvo su primer grupo, llamado Joint de Culasse, con su hermano Tonio del Borño y su primo Santi Cassariego. Más tarde llegaron los Hot Pants y Los Carayos, con los que se aproximaba ya mucho a la música festiva y la pachanga. Estos grupos llegaron a ser muy conocidos en París dentro de la música alternativa. En 1987, Manu, su hermano y su primo fundaron el grupo Mano Negra, que triunfó primero en Francia con el single "Mala vida" y después tuvieron giras por Sudamérica. Tras una larga temporada en el grupo (del 1987 al 1994), comenzó su carrera en solitario.
Chao es políglota, pero canta principalmente en español, francés e inglés, a menudo cambiando de idioma en la misma canción. Aunque es uno de los artistas que más venden en el mundo, es relativamente poco conocido en los países de habla inglesa.
Su música tiene muchas influencias: rock, chanson, salsa, reggae, ska y raï argelino. Recibió estas influencias de inmigrantes en Francia, de sus relaciones ibéricas, de sus recorridos en América con Mano Negra y vagando tras la disolución del grupo. Muchas de las canciones de Chao son sobre el amor, la vida en los guetos y la inmigración, y llevan a menudo un mensaje de izquierda y libertario.
Su estilo personal ha influido en grupos como Amparanoia, Karamelo Santo, Los Umbanda, Go Lem System, Aztecas Tupro, Gogol Bordello, La Pegatina, Bodega Bodega y muchos otros.
Musicalmente Clandestino es un álbum principalmente acústico y presenta ese marcado estilo caracterizado por la ausencia casi completa de guitarras eléctricas, las percusiones y ritmos oriundos de la música de diferentes regiones latinoamericanas, la repetición de distintos pasajes de su música y la peculiar mezcla de sonidos y mensajes en cada una de las canciones. Estos últimos siempre sorprenden al escucha la primera vez que uno oye el disco y puede costar un poco de trabajo llegar a apreciar estos recursos, pero una vez que uno se ha acostumbrado, hacen las canciones mucho más especiales hasta el punto en que uno comienza a amarlos.
1.Clandestino
2.Desaparecido
3.Bongo Bong
4.Je Ne T’Aime Plus
5.Mentira …
6.Lágrimas De Oro
7.Mama Call
8.Luna Y Sol
9.Por El Suelo
10.Welcome To Tijuana
11.Día Luna … Día Pena
12.Malegría
13.La Vie A 2
14.Minha Galera
15.La Despedida
16.El Viento
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863. Billy & Wilco Bragg - Mermaid Avenue (1998)
Wilco, una reconocida banda de Estados Unidos, junto con Billy Bragg, legendario solista británico, grabaron un disco con letras inéditas de Woody Guthrie, famoso cantautor folk y activista estadounidense en la primera mitad del siglo pasado. Originalmente los temas serían grabados por Bob Dylan (su heredero musical inmediato), pero nunca se concretó el proyecto, hasta que las letras fueron entregadas por la hija de Guthrie a Wilco y a Bragg. El resultado fue una obra sólida y aclamada tanto por críticos como por el público general, donde el legado de Guthrie adquirió una nueva vitalidad gracias a la creatividad de estos artistas contemporáneos. El disco es una joya musical inolvidable. Sobresalen la cadente y hermosa "California Stars" y la tristísima "At my window sad and lonely". Mientras que las mejores reflexiones pueden ser encontradas en "Christ for President"
Mermaid Avenue era el nombre de la calle de Brooklyn donde Woody Guthrie vivió con su familia desde los años 40. Treinta años después de su muerte, su hija Nora encargó a Billy Bragg –y más tarde también a Wilco- la tarea de recuperar algunas de las innumerables letras que su padre había dejado escritas, para buscarles la música adecuada. Lo que podría haber sido un hermoso pero simple ejercicio de nostalgia y amor filial acabó convirtiéndose en uno de los mejores discos que hayan llevado la firma de cualquiera de los implicados. Delicioso folk-rock que rinde tributo al espíritu alborotador de Guthrie, figura recuperada más allá del autor al que Bob Dylan emulaba en sus inicios. El oficio de Jeff Tweedy y los suyos con el country contemporáneo se ajusta a la certera y sensible visión de Billy Bragg para la tradición folk del gran Woody.
1.Walt Whitman’s Niece
2.California Stars
3.Way Over Yonder in the Minor Key
4.Birds and Ships
5.Hoodoo Voodoo
6.She Came Along to Me
7.At My Window Sad and Lonely
8.Ingrid Bergman
9.Christ for President
10.I Guess I Planted
11.One by One
12.Eisler on the Go
13.Hesitating Beauty
14.Another Man’s Done Gone
15.The Unwelcome Guest
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864. Turbonegro - Apocalypse Dudes (1998)
Turbonegro es una banda de rock noruega formada en Oslo, a finales de 1988, por el bajista de origen estadounidense Thomas Seltzer (Happy Tom), Pål Erik Carlin a las voces, TK a la batería y los guitarristas Vegard Heskestad, Pål Bøttger Kjærnes (Pål Pot Pamparius) y Rune Grønn (Rune Rebellion).
En marzo de 1993 el cantante, Harald Fossberg, tiene que dejar la banda debido a un cáncer y su lugar lo pasa a ocupar el ya orondo Hans Erik Husby, el que años más tarde sería conocido como Hank von Helvete. El guitarrista Knut Schreiner, conocido como Euroboy, se une a la banda en 1996, sustituyendo a Pål Pot Pamparius como guitarrista; ya con esta formación, grabaría lo que se considera como su obra cumbre, y uno de los discos más recordados de "La ola escandinava" de finales de los 90, entre la que podemos situar a Backyard Babies, Gluecifer, Hellacopters o Hardcore Superstar. El disco, llamado "Apocalypse Dudes", era un homenaje a la historia del rock, que incluía pasajes musicales directamente "fusilados" de grupos como The Dictators, Ramones o incluso Iron Maiden. El tema que da comienzo al disco, "Age of Pamparius", es toda una declaración de intenciones; una letra ácida, inspirada en el nombre de la Pizzería "Pamparius", regentada por su ex-guitarrista Pål Pot Pamparius, con burla incluida a la generación hippie ("Age of Aquarius” ), y musicalmente un cruce bastardo entre AC/DC, Motörhead y Ramones, que se convierte en un himno rockero de alto voltaje, usado para abrir sus conciertos, y conducir a sus fans al histerismo desde sus primeros compases e inconfundibles coros.
1.The Age of Pamparius
2.Selfdestructo Bust
3.Get It On
4.Rock Against Ass
5.Don't Say Motherfucker, Motherfucker
6.Rendezvous with Anus
7.Zillion Dollar Sadist
8.Prince of the Rodeo
9.Back to Dungaree High
10.Are You Ready (For Some Darkness)
11.Monkey on Your Back
12.Humiliation Street
13.Good Head
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865. Fatboy Slim - You’ve Come a Long Way, Baby (1998)
Con toda la música saliendo de su estudio en casa llamado “House of Love”, la maestría de Fatboy de tomar sonidos y ritmos desde cualquier lugar de la imaginación y transformarlos en ritmos que sacuden es lo que le ha dado su verdadero éxito. “You’ve Come a Long Way, Baby” vendió más de tres millones de copias.
A la electrónica, los primeros rockeros se apuntaron con Primal Scream, Orbital, Chemical Brothers y los más rezagados con este disco de Fatboy. La dosis perfecta de suciedad rock, breaks funk y tecnología para gustar a todos...
Éste es un disco que mucha de gente catalogará como indispensable de techno, aunque precisamente esta etiqueta es la que puede sonar algo rara si se le da el carácter vanguardistra que muchos le quieren dar. Es cierto que el disco está hecho a base de samplers y cajas de ritmo, pero el espíritu de Fatboy es y será rockero. Fatboy utiliza estribillos, melodías, bajadas de ritmo y cambios como lo hacía con Freak Power o Pizzaman. La etiqueta que mejor le cae es la del Big Beat, un estilo al que algunos ceñudos críticos han tachado de tecno cazurro por sus similitudes con el rock'n'roll guitarrero y por su poco atrevimiento vanguardista. Es cierto que los discos de Fatboy, ni éste ni el anterior, permiten minuciosas escuchas, porque son producto de una mente hedonista que está divirtiéndose como un mono con sus nuevas maquinitas. Su intención es que la gente se lo pase tan bien como él.
Pero al fin y al cabo, Prodigy y Chemical Brothers lo llevan haciendo desde hace más tiempo y no fueron tan denostados. En definitiva, se trata de un producto muy bien realizado, que cumple perfectamente las expectativas, que te lo hará pasar bien, aunque no sea tan techno como -pongamos por ejemplo- Aphex Twin, pero ¿a quién le importa?
1.Right Here, Right Now
2.The Rockafeller Skank
3.Fucking in Heaven
4.Gangster Tripping
5.Build It Up – Tear It Down
6.Kalifornia
7.Soul Surfing
8.You’re Not from Brighton
9.Praise You
10.Love Island
11.Acid 8000
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866. David Gray - White Ladder (1998)
Gray nació en Inglaterra y creció en Gales; estudió en la Universidad de Liverpool. Su carrera musical ha sido especialmente exitosa en Irlanda. Tras tocar en bandas escolares, descubrió el estilo melancólico con que toca la guitarra y canta, y se mudó a Londres.
Durante meses, David Gray golpeó las puertas de cuanto sello grabador existiera por los alrededores. En todos encontró un empecinado desinterés. Claro, el músico tenía ya tres álbumes editados, cada uno en un sello diferente, y las ventas no habían sido, en ningún caso, lo suficientemente satisfactorias como para seguir apostando por él.
Decidió entonces tomar el asunto, íntegro, en sus manos. Se encerró en su departamento de Londres con su guitarra, una máquina de ritmos y una grabadora elemental. Con la compañía, ocasional, de Clune, el baterista y multiinstrumentista que lo acompaña desde su tercer álbum y que suele estar con él en las presentaciones en vivo.
Así, con la ventana abierta, dejando entrar el ruido londinense, volcó toda la energía acumulada en "White ladder", su cuarto disco, y armó, para editarlo, un sello propio, Iht Records.
Entonces, una vez más, la vida demostró que las cosas casi nunca están donde las reglas de la industria discográfica busca. Y mientras todos buscaban "la revelación", "la nueva gallina ponedora de hits", el disco de Gray, y especialmente el tema "Babylon", comenzó a circular de boca en boca, de oído en oído.
El disco lo editó primero en Irlanda, en 1998 y poco a poco se transformó en un éxito, que llegó al tope de los rankings. Un año después, en Inglaterra. Allí, sin que lo pasaran las radios y sin ningún tipo de promoción, vendió 20.000 copias en poco tiempo. Algo se estaba gestando. Este año salió en los Estados Unidos gracias a un fan de hace varios años: Dave Matthews (de la Dave Matthews Band), que lo editó en su propio sello, ATO Records.
1.Please Forgive Me
2.Babylon
3.My Oh My
4.We’re Not Right
5.Nightblindness
6.Silver Lining
7.White Ladder
8.This Year’s Love
9.Sail Away
10.Say Hello Wave Goodbye
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867. Lucinda Williams - Car Wheels on a Gravel Road (1998)
Lucinda Williams es una cantautora estadounidense, procedente de Lousiana, de música rock, folk y country, una artista muy venerada en la escena fokl-rock, toda una estrella del country alternativo y un exponente claro del rock de raíces.
Los primeros años de su vida artística los pasa fogueándose y empapándose de las música de raíces por los estados sureños, desde Texas (Austin y Houston), Mississippi (Jacson) pasando por California (Los Ángeles) hasta llegar a la misma cuna del country, Nashville, donde termino de labrarse una reputación con sus actuaciones, tanto eléctricas como acústicas. En todo este periodo Williams se forja y moldea consiguiendo un sonido característico que la define, con una mezcla de su original influencia del folk de los 60’s y el rock de raíces, blues y country. De este periodo llegan disco como Ramblin' (1978), Happy Woman Blues (1980) Lucinda Williams (1988), Sweet Old World (1992).
Pero el espaldarazo definitivo tanto a nivel de crítica como de público le llega seis años después con la publicación de “Car Wheels on a Gravel Road” (1998) el trabajo más rockero y áspero de Lucinda , un estupendo disco de rock de raíces contemporáneo que destila country y blues. En el disco intervienen, entre otros, en bastantes temas, el gran Steve Earle a la guitarra y armónica, el ex Chicago Charlie Sexton a la guitarra eléctrica o Emmylou Harris en el tema “Greenville". Con fama de demasiado perfeccionista, y de trabajar muy despacio en el estudio de grabación, Willians no ha sido una artista muy prolífica, contabilizándose solo diez álbumes en sus más de treinta años de carrera.
Se entiende así, la perfección de este disco, de sonido y producción impecables. Lucinda se ve una mujer de gran inquietud por un trabajo delicado, y detallista, y cada canción destila pasión, a través de su voz entre abatida y melancólica, pero valerosa y recia.
1.Right in Time
2.Car Wheels on a Gravel Road
3.2 Kool 2 Be 4-gotten
4.Drunken Angel
5.Concrete and Barbed Wire
6.Lake Charles
7.Can’t Let Go
8.I Lost It
9.Metal Firecracker
10.Greenville
11.Still I Long For Your Kiss
12.Joy
13.Jackson
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868. Pulp - This is Hardcore (1998)
This Is Hardcore es el sexto álbum lanzado por la banda Pulp, lanzado en marzo de 1998. Lanzado tres años despues de su gran exito comercial, Different Class, fue largamente anticipado. Aunque no alcanzo el mismo exito comercial que su predecesor, alcanzo en número uno en las listas. Ademas, el álbum fue bien recibido por las criticas y le dio a la banda su tercera nominación consecutiva en 1998, para los Mercury Music Prize. Las primeras versiones del álbum en el Reino Unido, venian con un disco bonus en vivo, llamado "This is Glastonbury". Una edición deluxe del álbum fue lanzada el 11 de septiembre del 2006, que incluye un cd extra con B-sides, demos y rarezas.
El diseño de la portada fue dirigido por el pintor americano, John Currin, quien es conocido por pintar formas femeninas exageradas. Currin fue también el director de el video "Help the Aged", basado en su pintura "The Never Ending Story". Los posters de promoción, mostraban la portada del álbum que aparecia en la escena underground de Londres siendo retocadas por artistas de graffiti con eslogans como "This Offends Women", "This is Sexiest" o "This is Demeaning".
Una portada provocativa traería consigo el fin de uno los mejores pop que hasta ahora ha habido. Pulp conseguían una obra perfecta como consecuencia de dar un paso más dentro del brit-pop, luego, tres años después, la historia concluiría con un buen final, y aunque ellos dicen que este proyecto no se ha acabado, todo apunta a que We Love Life (2001, Island) es el último trabajo que publica la banda.
1.The Fear
2.Dishes
3.Party Hard
4.Help the Aged
5.This Is Hardcore
6.TV Movie
7.A Little Soul
8.I’m a Man
9.Seductive Barry
10.Sylvia
11.Glory Days
12.The Day After the Revolution
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869. Madonna - Ray of Light (1998)
Durante 1997, ya finalizada la promoción de Evita, Madonna empezó a componer junto a Patrick Leonard, Babyfacey Rick Nowels, de forma separada y uno después de otro sin quedar satisfecha con los resultados.
Y ahí fue cuando William Orbit entró en el ruedo, un productor y compositor británico de música electrónica que destacaba desde hacía años, con quién vio que podría sumergirse en los sonidos techno y dance que deseaba para su disco.
Se tardó cuatro meses y medio en grabar el álbum, en unos estudios de Los Angeles. La mayor parte del tiempo fue invertida en la parte instrumental, sobretodo por la insistencia de Orbit de trabajar con ordenadores y sintetizadores en vez de músicos en directo. Por suerte, la parte vocal se grabó fácil y rápidamente. Marius De Vries aportó algunos toques finales a la producción una vez finalizado el trabajo.
A finales de febrero en Europa y principios de marzo en USA, fue publicado el primer single del disco, Frozen.
El tema alcanzó el número uno en muchos países, y el dos en algunos otros, debido a la fuerte competencia que le supuso la Banda Sonora de Titanic. Poco después, el álbum vivió más o menos la misma suerte, alcanzando el número uno en países como Reino Unido, pero quedando en el dos en otros como Estados Unidos.
El disco se llevó varios premios, entre los que destacan cinco estatuillas por el videoclip de Ray Of Light en los MTV VMA de 1998, junto a una más por el videoclip de Frozen. Durante la entrega de los Grammy en 1999, se llevó dos premios por el video de Ray Of Light más otros dos por el álbum, uno de ellos como “Mejor Álbum Pop”.
Los críticos de todo el mundo coincidieron en decir que Madonna había creado su mejor disco desde Like A Prayer, y en general, uno de los mejores de la década de los noventa, un disco emocional, con grandes letras, de contenido espiritual, y con una Madonna más madura, sobretodo en su voz, mucho más armónica desde sus clases de adiestramiento vocal antes de la grabación de Evita.
Una edición especial del álbum fue publicada en formato Digipak, con una portada y contraportada holográficas diseñadas por Kevin Reagan y que le valieron un premio Grammy en 1999. Además, en Japón, se publicó también una edición especial que contenía un cd-bonus titulado Words + Music, que incluía en él entrevistas con Madonna.
1.Drowned World/Substitute for Love
2.Swim
3.Ray of Light
4.Candy Perfume Girl
5.Skin
6.Nothing Really Matters
7.Sky Fits Heaven
8.Shanti/Ashtangi
9.Frozen
10.The Power of Good-Bye
11.To Have and Not to Hold
12.Little Star
13.Mer Girl
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870. Lauryn Hill - Miseducation of... (1998)
Lauryn Hill actriz, cantante y productora estadounidense galardonada 8 veces con el premio Grammy. Fue miembro de The Fugees antes de empezar una carrera en solitario. Asistió al instituto de Columbia en Nueva Jersey. De niña, actuó una vez en el Apollo Theater, donde recibió una gran ovación al terminar. Comenzó a actuar de adolescente en series de televisión como As the World Turns y en la película Sister Act 2: de vuelta al convento. Ya en el instituto pasó a formar parte de The Fugees, pero no actuó asiduamente con ellos hasta que acabó en la Columbia University. Al primer álbum de The Fugees, Blunted on Reality le siguió el disco The Score, que obtuvo numerosos premios y cuantiosas ventas y que presentaron con la canción de Roberta Flack', "Killing Me Softly."
“The Miseducation of Lauryn Hill” Fue el album debut de Lauryn Hill. Lanzado el 25 de Agosto de 1998, sacudió a los premios Grammy's, después de haber sido nominado a 11 gramófonos y ganar 5 de ellos (incluyendo "Álbum del Año). El álbum incluye colaboraciones con el artista del soul D'Angelo ("i used to Love Him” ) y con John Legend en el piano en "Everything is Everything." El Primer sencillo del álbum fue "Doo Woop (That Thing), canción que gano 2 premios Grammy's: "Mejor canción R&B" y "Mejor Presentación Vocal Femenina de R&B" y llegó al 1# lugar en la lista de "US Billboard Hot 100". Fue colocado en el puesto 37 en la lista Vh1 de los mejores albums de la historia. Rankeado 312 en la lista de "Los 500 Mejores Albums de Todos los Tiempos".
El titulo hace referencia al libro de Carter G. Woodson "The Mis-Education of the Negro" y la portada del álbum a "Burnin" de The Wailers.
1.Intro
2.Lost Ones
3.Ex-Factor
4.To Zion
5.Doo Wop (That Thing)
6.Superstar
7.Final Hour
8.When It Hurts So Bad
9.I Used To Love Him
10.Forgive Them Father
11.Every Ghetto, Every City
12.Nothing Even Matters
13.Everything Is Everything
14.The Miseducation of Lauryn Hill
15.Can’t Take My Eyes Off Of You
16.Sweetest Thing
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871. Hole - Celebrity Skin (1998)
El tercer álbum de Hole contenía un sonido completamente nuevo para la banda, pues era de un estilo más pop. Celebrity Skin fue un éxito para la crítica, y se vendió moderadamente bien. El grupo entonces consistía en Courtney Love, Eric Erlandson, Patty Schemel y Melissa Auf Der Maur, aunque en entrevistas posteriores Love aseguró que en la percusión Schemel fue en realidad reemplazada por otro músico.
Cuando los periodistas preguntaron por el significado del álbum, Love decidió no ofrecer ninguna explicación acerca de las letras.
Quizá como una reacción a toda la especulación anterior sobre el supuesto de que Kurt Cobain era el verdadero autor de las canciones del segundo álbum de Hole, Celebrity Skin lista de forma específica las contribuciones de cada músico al realizar el disco, especificando la autoría de cada canción. Love participó en todas las letras, mientras que Erlandson y Michael Beinhorn, participaron en cada una de las canciones, junto a Billy Corgan, de The Smashing Pumpkins (además de Melissa Auf Der Maur, Patty Schemel, Jordon Zadorozny, de Blinker the Star, Charlotte Caffey de The Go Go's, los cuales participaron de una forma más leve en las canciones) Billy Corgan se ofreció a ayudar con las letras y deconstruir las canciones en el piano, pero acabó figurando como coautor en cinco de las canciones de Celebrity Skin.
Celebrity Skin es más claramente Power pop, y puede verse presente el deseo subyacente de crear de la nada una obra perdurable. El estilo de Erlandson con la guitarra es innovador y complejo, y las letras de Love son profundas y sofisticadas en todo el álbum. Se acredita a Hole el haber establecido un puente entre el punk y el pop, creando una conexión entre ambos estilos. Habiendo desafiado la estética indie/underground mediante esta conexión al pop, puede verse a Hole como uno de esos grupos que han hecho una gran contribución al canon del rock.
1.Celebrity Skin
2.Awful
3.Hit So Hard
4.Malibu
5.Reasons to Be Beautiful
6.Dying
7.Use Once & Destroy
8.Northern Star
9.Boys on the Radio
10.Heaven Tonight
11.Playing Your Song
12.Petals
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872. Mercury Rev - Deserter’s Songs (1998)
Con sus relaciones personales convertidas en un callejón sin salida y su grupo fragmentándose alrededor de él, Deserter’s Songs es el documento de la escapada de Jonathan Donahue, la cabeza visible de Mercury Rev: música de grandiosidad descarada que saca a la luz crisis personales a una escala enorme, sazonadas con imágenes de grandes cielos húmedos y océanos desbocados, de autopistas y líneas de ferrocarril que se extienden más allá del horizonte visible.
Deserter’s Songs resulta ser una fantástica banda sonora para un sueño del tipo Alicia en el país de las maravillas: una mezcla de instrumentación ecléctica (vientos, cuerdas, órganos, flautas, etc.), orquestas submarinas y estrafalarias nanas que conducen a la fantasía. Antes lo habían intentado artistas de los 60 como los Beach Boys o Van Dyke Parks, de-construyendo la realidad a través de prismas favorecidos por la experimentación con las sustancias químicas y los arreglos orquestales. Aquella estética de un Las Vegas lisérgico murió con los 70, pero Mercury Rev recobraron un soplo de su cadáver a finales de los 90.
“Ése amplio mar azul que se no puede cruzar, que no se puede escalar”, canta un Jonathan Donahue lleno de respeto en “Holes”, haciendo suyas las infinitas posibilidades que un mundo tan enorme y hermoso le ofrece para perderse, al tiempo que demuestra que la música puede ser épica en su concepción y en la práctica sin sonar pomposa, ni falsamente mística, ni hinchada con lugares comunes y clichés. Esta vez, Mercury Rev colocaron y celebraron el mapa de la Gran Música ¿Y el resultado? Un clásico moderno.
1.Holes
2.Tonite It Shows
3.Endlessly
4.I Collect Coins
5.Opus 40
6.Hudson Line
7.The Happy End (The Drunk Room)
8.Goddess on a Hiway
9.The Funny Bird
10.Pick Up If You’re There
11.Delta Sun Bottleneck Stomp
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873. System of a Down - System of a Down (1998)
System of a Down (también conocido abreviadamente como System o por sus siglas, SOAD) es una banda de metal alternativo, de ascendencia armenia, formada en Glendale, California, en el año 1995. En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre "System of a Down" inspirados por el poema Victims of a Down escrito por el guitarrista Daron Malakian. Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, la pornografía violenta y machista, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación entre otros.
Está compuesta por Serj Tankian (voz/teclado/ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (guitarra/voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).
System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas y hasta una botella vacía sirve de instrumento (en el tema Psycho, del Toxicity), mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple), y otros instrumentos de Asia. Sus más notables influencias provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal. También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusion, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, rock clásico, blues e industrial.
Además tienen influencias políticas que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder. Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde el lanzamiento de su primer álbum (en 1998) buenos resultados tanto del público, que hizo de System of a Down un disco de platino, como de una parte de la crítica musical.
En junio de 1998 la banda sacó su primer álbum de estudio, System of a Down. La banda obtuvo un éxito moderado con su primer sencillo, Sugar, que se convirtió en un favorito de las radios estadounidenses, seguido por el sencillo Spiders. System of a Down realizó una larga gira abriendo conciertos para Slayer y Metallica antes de conseguir un lugar en el segundo escenario del Ozzfest. Después de Ozzfest salieron de gira con Fear Factory y con Incubus antes de encabezar la gira Sno-Core con Puya, Mr. Bungle e Incubus de soportes.
1.Suite-Pee
2.Know
3.Sugar
4.Suggestions
5.Spiders
6.DDevil
7.Soil
8.War?
9.Mind
10.Peephole
11.CUBErt
12.Darts
13.P.L.U.C.K.
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874. Queen of the Stone Age - Queen of the Stone Age (1998)
Queens of the Stone Age (también conocidos como QOTSA o, simplemente, Queens) es una banda estadounidense de hard rock originaria de Palm Desert, California. Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior y contó con la participación de sus ex compañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández. Queens of the Stone Age han sido catalogados dentro del sonido stoner rock, aunque rechazan ese término.
Queens of the Stone Age es su primer álbum de estudio. Este debut fue lanzado al mercado el 22 de septiembre de 1998 por Loose Groove, sello discográfico independiente de Stone Gossard, guitarrista de Pearl Jam. De la versión vinilo se encargó Man's Ruin Records, sello especializado en el stoner rock y hard rock en general, ya que trabajó anteriormente con Kyuss (la banda que engendró a QOTSA), Fu Manchu, The Desert Sessions (colectivo musical de Josh Homme) o Turbonegro.
El álbum auto titulado fue todo un éxito tanto para fans como para la crítica especializada, aun ambos sorprendidos por la desintegración de los míticos Kyuss y por la rápida creación de otra banda que continuaba con varios de los ex componentes de Kyuss y con una línea musical similar. El 6 de febrero de 2006, el CD recibió la calificación de disco de platino en el Reino Unido.
1.Regular John
2.Avon
3.If Only
4.Walkin’ on the Sidewalks
5.You Would Know
6.How to Handle a Rope
7.Mexicola
8.Hispanic Impressions
9.You Can’t Quit Me Baby
10.Give the Mule What He Wants
11.I Was a Teenage Hand Model
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875. Air - Moon Safari (1998)
Air es una banda francesa de música electrónica, compuesta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. La banda se formó en 1995. Han sido altamente aclamados por la crítica, especialmente con su segundo LP llamado Moon Safari.
Aunque Air es considerado una banda de música electrónica o trip-hop, realmente su sonido se basa en sonidos de sintetizadores de artistas de la década de los 70 como Jean Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los músicos de Krautrock Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg. Ocasionalmente incluyen toques de jazz.
Con su álbum, Moon Safari en 1998, se dieron a conocer a todo el mundo de una forma fresca y novedosa. Significó todo un éxito en público y críticos.
La perfecta química de Nicolas Godin y de Jean-Benoît Dunckel supieron plasmar en su primer trabajo le valió el reconocimiento a nivel mundial y mención aparte de la participación de la cantante Beth Hirsch en las canciones All I Need y You Make It Easy; ya que el disco es una joya que rodea la perfección, elegir mi tema favorito del disco me resulta imposible, pues todos son espectaculares, desde el inicio con La Femme d’Argent, pasando por Talisman, hasta finalizar con Le Voyage de Penelope
1.La Femme d’Argent
2.Sexy Boy
3.All I Need
4.Kelly Watch the Stars
5.Talisman
6.Remember
7.You Make It Easy
8.Ce Matin-Là
9.New Star in the Sky (Chanson pour Solal)
10.Le Voyage de Pénélope
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Si quieres mas de mi trabajo aqui esta otro trabajo:
TV Yumuri
Rococo
greenredlie
Tiempo A
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuáles son y en qué momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.
Seguimos con la lista... .
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851. Daft Punk - Homework (1997)
En 1993 el primer sencillo de Daft Punk, "The New Wave" fue lanzado limitadamente. El sencillo también contenía la mezcla final de The New Wave, "Alive” . En 1995 volvieron al estudio para grabar "Da Funk", su segundo sencillo. Ese mismo año se convirtió en su primer sencillo comercialmente exitoso. La banda firmo con Virgin Records en 1996. Alive y Da Funk fueron posteriormente incluidos en su álbum debut en 1997, Homework. El sencillo más exitoso de Homework fue "Around The world". Junto con este disco salió la película D.A.F.T. A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes que precisamente eran los videos Da Funk, Around The World, Burnin' y Revolution 909 unidos como si fuera una película.
Daft Punk es un dúo artístico originario de París, Francia; conformado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. El estilo de la agrupación es música electrónica compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno, house y synth. Antes de llamarse Daft Punk, se llamaban Darlin, y además de Bangalter y Homem-Christo también formaba parte otro artista llamado Laurent. El primer single The New Wave fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).
1.Daftendirekt
2.WDPK 83.7 FM
3.Revolution 909
4.Da Funk
5.Phœnix
6.Fresh
7.Around the World
8.Rollin’ & Scratchin’
9.Teachers
10.High Fidelity
11.Rock’n Roll
12.Oh Yeah
13.Burnin’
14.Indo Silver Club
15.Alive
16.Funk Ad
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852. Robbie Williams - Life Thru A Lens (1997)
Nacido el 13 de febrero de 1974 en Stoke on Trent, Staffordshire, Inglaterra. Williams era el tipo descarado del tremendamente famoso grupo musical masculino Take That y, en aquel momento, parecía ser el único que podía portarse mal o normal.
Cuando Take That se disolvió, todos los pronósticos apuntaban a que Mark Owen y Gary Barlow ocuparían su lugar. Se tenían pocas esperanzas en Williams, que inmediatamente empezó a sacudir los medios de comunicación con historias en contra de Barlow. Mientras Barlow era presentado como el nuevo George Michael, Williams no hacía más que causar problemas. Se separó, se excedió y parecía prestar escasa atención a la música. Como era de esperar, en agosto de 1996 sacó su primer sencillo, una versión encubierta del ´Freedom´ de George Michael. Tras su estancia en una clínica de desintoxicación, un aparentemente más sensato Robbie siguió el resplandor del sol, pestañeó y grabó un excelente álbum que eclipsó, tanto musicalmente como respecto al recibimiento de la crítica, el primer trabajo de Barlow.
´Life Thru A Lens´ (Chrysalis, 1997) era una alegría desde el principio hasta el fin e incluía el simbólico ´Old Before I Die´, que se colocó en el número 2 de las listas de éxitos británicas tras ´Freedom´. El relativo fracaso de los siguientes sencillos ´Lazy Days´ y ´South Of The Border´ puso en tela de juicio el aguante de Williams antes de que el sencillo aparecido en Navidad, "Angels", hiciera resurgir, prácticamente sin la ayuda de nadie, su renqueante carrera. El álbum, cuyas ventas habían bajado en picado, entró por primera vez en la lista de los 10 Principales del Reino Unido y, finalmente, llegó al número uno 28 semanas después de salir a la venta.
Jamás tantos entendidos y críticos se habían equivocado tanto.
1.Lazy Days
2.Life thru a Lens
3.Ego a Go Go
4.Angels
5.South of the Border
6.Old Before I Die
7.One of God’s Better People
8.Let Me Entertain You
9.Killing Me
10.Clean
11.Baby Girl Window
Download
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853. Mariah Carey - Butterfly (1997)
Después de un año sin publicar álbum y con el divorcio de su ex marido Tommy Mottola llegó el sexto trabajo de estudio de Mariah Carey titulado "Butterfly", quizás reflejo de la libertad y felicidad que Carey sentía en ese momento. Este álbum es el nexo entre la Mariah de los primeros años y la que estaba por venir y digo esto porque esta compuesto de preciosas baladas, aquellas a las que nos tenia acostumbrados, junto a sensacionales canciones R&B que dejaron un gran sabor de boca y que en discos posteriores no se volverían a repetir con la calidad que tienen en este trabajo. El álbum abre con el primer single y éxito indiscutible de los 90, "Honey", un trabajo con "Puff Diddy" que enlaza con la balada que da nombre al disco. A continuación suena "My all", una de las baladas más conocidas y exitosas de Mariah que llegó incluso a grabarse en español. Con "The roof", "Breakdown" y "Babydoll" llega el esplendor del nuevo estilo de Mariah, impresionantes canciones que crean un ambiente sensual y atmosférico a base de ritmos R&B. Luego las baladas"Whenever you call" y "Outside" ponen el broche de oro a esta estupenda pieza muscial. En "Butterfly" también hay lugar para buenas melodías club de la mano del veterano David Morales que nos ofrece mezclas alternativas de Butterfly (Fly Away) más otra de Honey y es que no son simples remixes, son dos temas muy bien elaborados donde Mariah grabó nuevas vocales acordes con este estilo. Desde luego siempre me hubiera gustado que Mariah hubiese hecho un álbum dance con Morales, seguramente habría sido un gran éxito. Anecdóticamente la canción Butterfly iba a ser un tema house pero Mariah prefirió que fuera una balada para expresar con mas emoción la letra. En una entrevista Mariah reconoció que este disco estaría siempre al principio de la lista de sus mejores álbumes.
1.Honey
2.Butterfly
3.My All
4.The Roof
5.Fourth of July
6.Breakdown
7.Babydoll
8.Close My Eyes
9.Whenever You Call
10.Fly Away
11.The Beautiful Ones
12.Outside
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854. Supergrass - In It For The Money (1997)
A mediados de los noventa, la escena musical se rindió ante las -sobredimensionadas- excelencias del pop británico. El llamado brit-pop desbancó a las depresivas hordas de Seattle, con colorismo y ganas de recuperar su vasta herencia musical, desde The Beatles hasta The Smiths, pasando por The Jam, Wire o Stone Roses. Muchas bandas salieron a la luz, apoyadas por el éxito del combate mediático establecido entre Blur y Oasis: un perfecto caldo de cultivo para el hype.
En 1993, tres adolescentes de Londres forman Supergrass. Sus primeros tanteos musicales se decantan por el funk, aunque los resultados no son nada satisfactorios hasta que deciden liberar su inspiración sixties. Con la vista -y la guitarra- puesta en la energía melódica de The Who, The Jam, Buzzcocks y otras luminarias de la tradición británica, dan lugar a su primer single en 1994. Caught by the fuzz y su contagioso estribillo crea un gran revuelo en los semanarios musicales, ávidos de nuevas estrellas para la escena. Un par de singles más preceden la aparición de I should Coco (1995), su primer álbum. Gracias a buenos estribillos y una imagen muy atractiva -jóvenes, guapos.. el cantante Gaz Coombes incluso había sido modelo publicitario-, el álbum ayuda a la expansión del virus brit-pop desde la vertiente más desenfadada y adolescente. Para evitar la etiqueta teen, su segundo álbum plantea un sonido más maduro y enriquecido con buenos arreglos que expanden sus registros.
In It for the Money es el segundo álbum de estudio grabado por la banda británica. Lanzado en 1997 fue definido por la revista NME como "más divertido que observar a un wombat en una lavadora" y la incluyó en su lista de los 10 mejores álbumes del año. Por su parte, los lectores de la publicación especializada Q lo situaron como el 68 mejor álbum de todos los tiempos. En el año 2000, la misma revista colocó al disco en el número 57 de su lista de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos. En Estados Unidos se editó una versión especial del álbum que contenía varias rarezas.
1.In It for the Money
2.Richard III
3.Tonight
4.Late in the Day
5.G-Song
6.Sun Hits the Sky
7.Going Out
8.It’s Not Me
9.Cheapskate
10.You Can See Me
11.Hollow Little Reign
12.Sometimes I Make You Sad
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855. Bob Dylan - Time Out of Mind (1997)
El 30 de septiembre de 1997, por fin, Bob Dylan estaba de vuelta. Llevaba siete años sin publicar composiciones propias, sólo un par de discos de versiones de viejas canciones Folk y Blues y un directo. Lo cierto es que ya no se esperaba demasiado de él, parecía que iba a ser otro de los grandes “dinosaurios” que habían sido grandes en el pasado y se dedicaban a vivir de las rentas. Y, de repente, el genio estaba de vuelta. Bob Dylan sorprende al mundo musical con un disco excepcional, una obra maestra y uno de los mejores de su carrera, el que hacía el número 30 de sus discos grabados en estudio: Time Out Of Mind.
Ahora es muy normal ver a Bob Dylan recibiendo todo tipo de parabienes y de críticas positivas por cada cosa que hace, antes de este disco eso no era tan habitual. Aquí es dónde el genio de Minessotta recupera el crédito. El disco fue recibido por la crítica con muy buenos ojos, y alcanzó el Top Ten, obteniendo un disco de platino, cosa que Dylan no conseguía desde hacía 20 años, y ganando 3 premios Grammy. (Mejor disco, Mejor disco Folk y mejor intérprete masculino de Rock por la sensacional canción “Cold Iron Bounds”.
Durante su discurso, dijo: "Sólo me gustaría decir que una vez cuando yo tenía dieciséis o diecisiete años, fui a ver a Buddy Holly en el Duluth National Guard Armory... Estaba a tres pasos de él... y me miró."
El caso es que su éxito resucitó el interés por Dylan, que dura hasta el día de hoy, y las entradas de sus conciertos se agotaron muy pronto.Por lo demás, las canciones del disco son, en su gran mayoría, canciones de amor. De amores perdidos, de amores no correspondidos, de amores perseguidos … canciones tristes en su mayoría, pero desde luego canciones muy bonitas, dignas del repertorio de este grande.
Musicalmente las principales influencias son las del Dylan de toda la vida, el Folk con toques country, las clásicas baladas acústicas cantadas con su peculiar voz rota, el blues y el R&B con toques Folk, cantadas como hace mucho tiempo que no cantaba Bob Dylan, y con un sonido y unos arreglos, muy logrados, con la producción de Daniel Lanois, viejo colaborador de Bob Dylan.
El genio estaba de vuelta, y una vez recuperado, ganaría el Oscar por la canción “Things Have Changed”, de la película “Jóvenes Prodigiosos”. En fin, un disco muy emocionante que marcaba la sorprendente vuelta de Bob Dylan a la primera línea, uno de los mejores discos en su carrera.
1.Love Sick
2.Dirt Road Blues
3.Standing in the Doorway
4.Million Miles
5.Tryin' to Get to Heaven
6.'Til I Fell in Love with You
7.Not Dark Yet
8.Cold Irons Bound
9.Make You Feel My Love
10.Can't Wait
11.Highlands
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856. Roni Size & Reprazent - New Forms (1997)
Reprazent, un colectivo de drum 'n' bass de Bristol (Inglaterra), se hizo famoso en el país en 1997 cuando su líder y fundador, Roni Size (nacido en Inglaterra), recibió ese año el premio Mercury. Gran parte de los elogios se centraban en la fusión que Size hacía de lo nuevo y lo viejo -los ritmos jungle propulsores acompañados de batería y doble bajo. El grupo, integrado por Size (composiciones/programación), DJ Krust, Onallee (voces), MC Dynamite y el cantante de rap Bahmadia (un ex miembro de Gang Starr), se formó en la diparatada y desmesurademante febril escena de clubes de Bristol. Como resultado, el arte elegante y altamente musical de Reprazent con el drum 'n' bass recibe asimismo influencias del hip-hop, el funk, el soul y el house. Size fue expulsado de la escuela a los 16 años, y empezó a asistir a las fiestas privadas de los inconformistas de Bristol, los Wild Bunch (más tarde conocidos como Massive Attack ). Su futuro socio, Krust, prontó coqueteó con la fama como componente de Fresh 4, cuyo "Wishing On A Star" se situó en el Top 10 británico a finales de 1989. El primer trabajo de Reprazent, New Forms, fue editado por Full Cycle Records, un sello que dirigen conjuntamente Size y DJ Krust. Size describió su mezcolanza de influencias como intitutivas: "Krust sólo tiene que entrar en el estudio moviendo la cabeza. Con eso ya sé que obtendremos un fruto. No le hace falta apretar un botón o decirnos lo que piensa, porque nosotros ya sabemos lo que está pensando." Como consolidación del principal éxito (el más relevante de la música jungle desde el primer trabajo de Goldie), Reprazent se convirtió en la música del verano de 1997 gracias a una serie de actuaciones en festivales (entre otros, el Tribal Gathering).
Disc 1:
1. Railing
2. Brown Paper Bag
3. New Forms
4. Let's Get It On
5. Digital
6. Matter Of Fact
7. Mad Cat
8. Heroes
9. Share The Fall
10. Watching Windows
11. Beatbox
12. Morse Code
13. Destination
Disc 2:
1. Intro
2. Hi-Potent
3. Trust Me
4. Change My Life
5. Share The Fall
6. Down
7. Jazz
8. Hot Stuff
9. Ballet Dance
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857. Elliott Smith - Either/Or (1997)
Steven Paul Smith más conocido como Elliott Smith, fue un cantautor estadounidense de indie pop. Su instrumento principal fue la guitarra acústica, aunque también utilizaba el piano, el clarinete, el bajo, la armónica y la batería. Smith tenía una suave voz característica y habitualmente recurría a la grabación multipista de su propia voz para crear armonías vocales.
Aunque Smith nació en Omaha, Nebraska, creció en Texas, y murió en Los Ángeles, California, residió durante la mayoría de su vida en Portland, Oregón, donde consiguió sus primeros éxitos.
Antes de empezar su carrera en solitario, tocó durante varios años en la banda de rock Heatmiser, con la que llegó a sacar varios discos. Sacó su primer disco en solitario en 1994 con publicaciones de los sellos independiente Cavity Search Records y Kill Rock Stars. Posteriormente firmó un contrato en 1997 con la discográfica mucho mayor DreamWorks Records, con la que sacó dos álbumes.
En 1996, el director de cine Jem Cohen grabó a Smith tocando canciones en acústico para el corto Lucky Three: an Elliott Smith Portrait. Dos de estas canciones aparecieron en su siguiente publicación Either/Or, otra edición de Kill Rock Stars que salió a la venta en 1997 con buenas críticas y que se convirtió en su álbum más aclamado. En el álbum podemos encontrar a un Elliott Smith experimentando con una instrumentación completa, con varias canciones conteniendo bajo, batería, teclado y guitarras eléctricas, todos tocados por el propio Smith. El título del disco está inspirado en el libro del mismo título (O lo uno o lo otro en español) del filósofo danés Søren Kierkegaard, que trata temas como la psicología existencial, el miedo, la muerte o Dios.
Para entonces, el grave problema con la bebida se agravó por el uso de antidepresivos. Al finalizar la gira de Either/Or, unos cuantos de sus mejores amigos llevaron a cabo una intervención en Chicago, aunque resultó infructuosa. Smith luchó contra la depresión, el alcoholismo y la drogadicción durante muchos años, y estos temas fueron habitualmente tratados en las letras de sus canciones. Murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinfligidas.
1.Speed Trials
2.Alameda
3.Ballad of Big Nothing
4.Between the Bars
5.Pictures of Me
6.No Name No. 5
7.Rose Parade
8.Punch and Judy
9.Angeles
10.Cupid’s Trick
11.2:45 A.M.
12.Say Yes
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858. The Verve - Urban Hymns (1997)
The Verve estuvo compuesto originalmente por el vocalista Richard Ashcroft, el guitarrista Nick McCabe, el bajista Simon Jones y el baterista Peter Salisbury. Simon Tong se incorporó posteriormente como guitarrista. Fue uno de los grupos británicos más importantes de los años 1990, a pesar de las discusiones internas, problemas de salud, adicciones a las drogas y diversos pleitos judiciales que afectaron a sus integrantes.
Urban Hymns es el tercer álbum de la banda. Fue lanzado al mercado en septiembre de 1997, y contiene 13 canciones. Llegó a ocupar la posición #1 en los charts de Inglaterra, siendo uno de los álbumes más vendidos del año, y recibiendo excelentes críticas por parte de la prensa especializada. La canción principal del mismo, Bitter Sweet Symphony, es reconocida mundialmente, y ha mantenido su notoriedad a lo largo del tiempo.
Por primera vez en su carrera, The Verve experimentaba el éxito comercial. No sólo fue un éxito en el Reino Unido, sino que también lo fue en los EE. UU. y en gran parte del resto del mundo.
El primer sencillo, Bitter Sweet Symphony, entró en las listas británicas en el #2, y llegó hasta el #12 en los EE. UU. Posteriormente sería lanzado el segundo sencillo, The drugs don't work, el cual alcanzaría el #1 UK en el Reino Unido. Finalmente serían editados Lucky man (#7 UK) y Sonnet. El álbum alcanzaría ventas de más de 3 millones de unidades en el Reino Unido.
En el año 1998, los lectores de la revista Q votaron a Urban hymns en el puesto #18 como Mejor álbum de la historia. Simultáneamente, los editores de dicha revista lo votaron en el #16. Ese mismo año, Urban Hymns obtendría el galardón de Mejor álbum del año en los Brit Awards 1998, superando a bandas como Radiohead y Oasis. The Verve también obtendría el premio a Mejor grupo del año.
Si bien la letra de Bitter Sweet Symphony fue escrita en su totalidad por Richard Ashcroft, al día de hoy está acreditada también a Mick Jagger y Keith Richards. Esto es debido a que la canción utiliza un riff similar a The Last Time, canción de los Rolling Stones. The Verve originalmente había negociado la utilización de este riff, pero la compañía que poseía los derechos argumento que lo utilizó "más de lo estipulado". El problema llegó a instancias legales, donde The Verve se vio obligado a compartir los derechos de la misma.
1.Bitter Sweet Symphony
2.Sonnet
3.The Rolling People
4.The Drugs Don’t Work
5.Catching the Butterfly
6.Neon Wilderness
7.Space and Time
8.Weeping Willow
9.Lucky Man
10.One Day
11.This Time
12.Velvet Morning
13.Come On
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859. Spiritualized - Ladies & Gentlemen, We are Floating In Space (1997)
Formados de las cenizas de los desaparecidos Spacemen 3 a primeros de los 90 y bajo el indiscutible liderazgo de Jason Pierce - guitarra, voz y compositor de la práctica totalidad de los temas - Spiritualized han sido una de las bandas más influyentes de la última década. Su sonido, muy personal, combina el minimalismo más hipnótico con los tonos épicos. Una aparente contradicción que sólo el talento de Pierce es capaz de convertir en una realidad tangible y tremendamente efectiva.
La Velvet, John Coltrane, John Cage y Phil Spector, The Byrds o India Raga son tan sólo algunas de las eclécticas influencias reconocibles en su música, en la que tienen cabida herencias tan dispares como la del compositor minimalista LaMonte Young o los Beach Boys. El propio Pierce ha definido la música y el espíritu de Spiritualized como soul, blues, e incluso, en ocasiones, jazz, por no mencionar las obvias categorías de pop y rock'n'roll.
El primer larga duración de la banda, "Lazer guided melodies", se publica en 1992. Un álbum que fue presentado en el tour 'Rollercoaster'en el que el grupo compartió escenario con Jesús and Mary Chain y Curve. Le siguió, "Fucked Up Incide", un disco en directo grabado el 21 de noviembre de 1992 en el Hollywood Palladium de Los Ángeles. "Pure Phase", probablemente su trabajo más oscuro, fue su segundo álbum de estudio, publicado en 1995. Por aquel entonces Spiritualized estaba formado por Pierce (guitarra y voz), Kate Radley (guitarra y teclados) y el bajista Sean Cook. En su siguiente trabajo, "Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space" se incorpora Damon Reece a la batería, dando lugar a su álbum más conocido y aclamado por la crítica, lanzado en 1997 y escogido por la revista musical británica NME como su Álbum del Año.
1.Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space
2.Come Together
3.I Think I’m in Love
4.All of My Thoughts
5.Stay with Me
6.Electricity
7.Home of the Brave
8.The Individual
9.Broken Heart
10.No God Only Religion
11.Cool Waves
12.Cop Shoot Cop…
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860. Dandy Warhols - Dandy Warhols Come Down (1997)
The Dandy Warhols son un grupo de rock estadounidense, formado en Portland, Oregón. El nombre del grupo es un juego de palabras con el nombre del artista pop Andy Warhol.
The Dandy Warhols están fuertemente influenciados por The Velvet Underground, Beach Boys, Simon and Garfunkel, The Beatles, The Shadows, The Rolling Stones y The Brian Jonestown Massacre, también aparecen referencias a My Bloody Valentine en algunas de sus canciones.
A mediados de los 90, Courtney Taylor –voz y guitarra-, Peter Holmstrom –guitarra- Zia McCabe –teclados y bajo- y Eric Hedford –batería- forman el grupo en Portland, Oregón. Su primera referencia no se hace esperar y ‘Dandy’s rule, ok?’ aparece en 1995. Sin descubrir la sopa de ajo, el debut de The Dandy Warhols toca diversos palos con acierto, aunque su propuesta se antoja demasiado dispersa todavía. Temas como ‘Ride’ o ‘Lou Weed’ muestran desde el propio título las influencias a las que se deben, en un ejercicio tan honesto como divertido. ‘Dandy Warhols come down’ (1997) es su segundo trabajo, un disco que empieza a solidificar el culto underground que recibe el cuarteto, sobre todo en Europa.
Recientemente fueron escogidos por David Bowie para actuar como teloneros en su gira Reality y, recientemente, han aparecido junto a The Brian Jonestown Massacre en el documental indie Dig!, que obtuvo el premio del Gran Jurado al Mejor Documental en el Festival de Cine de Sundance.
1.Be-In
2.Boys Better
3.Minnesoter
4.Orange
5.I Love You
6.Not If You Were the Last Junkie on Earth
7.Every Day Should Be a Holiday
8.Good Morning
9.Whipping Tree
10.Green
11.Cool as Kim Deal
12.Hard On for Jesus
13.Pete International Airport
14.The Creep Out
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861. Bob Dylan - Bootleg Series Vol 4: Live 1966 (1998)
The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert es un álbum en directo del músico estadounidense Bob Dylan que recoge la legendaria gira mundial de 1966. Publicado en 1998 tras años disponible únicamente como bootleg, es reconocido como un documento esencial en el desarrollo de la música popular en los años sesenta.
El álbum debutó en las listas de Billboard el 24 de octubre de 1998 en el puesto #31. El 11 de noviembre de 2005 fue certificado como disco de oro por la RIAA. En el Reino Unido se alzó hasta el puesto #19.
Tras una gira por Norteamérica desde mediados de 1965 hasta el invierno de 1966, Dylan, acompañado de The Hawks (posteriormente renombrados como The Band), se embarcaron en una gira de seis semanas durante la primavera del 66, dando inicio a la misma en Australia y finalizando en Londres. El paso de Dylan a la música eléctrica, y su aparente desconexión con la tradicional música folk, continuó generando controversia, llegando a decir el público británico acerca de él que era "un vendido".
Una grabación del concierto vio la luz a finales de 1970 o comienzos de 1971 en bootlegs con formato vinilo y con un título variable.
1.She Belongs to Me
2.4th Time Around
3.Visions of Johanna
4.It’s All Over Now, Baby Blue
5.Desolation Row
6.Just Like a Woman
7.Mr. Tambourine Man
8.Tell Me, Momma
9.I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met)
10.Baby, Let Me Follow You Down
11.Just Like Tom Thumb’s Blues
12.Leopard-Skin Pill-Box Hat
13.One Too Many Mornings
14.Ballad of a Thin Man
15.Like a Rolling Stone
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862. Manu Chao - Clandestino (1998)
Manu Chao es hijo del periodista Ramón Chao, gallego de Vilalba (Lugo) y de madre vasca de Bilbao. A los 14 años tuvo su primer grupo, llamado Joint de Culasse, con su hermano Tonio del Borño y su primo Santi Cassariego. Más tarde llegaron los Hot Pants y Los Carayos, con los que se aproximaba ya mucho a la música festiva y la pachanga. Estos grupos llegaron a ser muy conocidos en París dentro de la música alternativa. En 1987, Manu, su hermano y su primo fundaron el grupo Mano Negra, que triunfó primero en Francia con el single "Mala vida" y después tuvieron giras por Sudamérica. Tras una larga temporada en el grupo (del 1987 al 1994), comenzó su carrera en solitario.
Chao es políglota, pero canta principalmente en español, francés e inglés, a menudo cambiando de idioma en la misma canción. Aunque es uno de los artistas que más venden en el mundo, es relativamente poco conocido en los países de habla inglesa.
Su música tiene muchas influencias: rock, chanson, salsa, reggae, ska y raï argelino. Recibió estas influencias de inmigrantes en Francia, de sus relaciones ibéricas, de sus recorridos en América con Mano Negra y vagando tras la disolución del grupo. Muchas de las canciones de Chao son sobre el amor, la vida en los guetos y la inmigración, y llevan a menudo un mensaje de izquierda y libertario.
Su estilo personal ha influido en grupos como Amparanoia, Karamelo Santo, Los Umbanda, Go Lem System, Aztecas Tupro, Gogol Bordello, La Pegatina, Bodega Bodega y muchos otros.
Musicalmente Clandestino es un álbum principalmente acústico y presenta ese marcado estilo caracterizado por la ausencia casi completa de guitarras eléctricas, las percusiones y ritmos oriundos de la música de diferentes regiones latinoamericanas, la repetición de distintos pasajes de su música y la peculiar mezcla de sonidos y mensajes en cada una de las canciones. Estos últimos siempre sorprenden al escucha la primera vez que uno oye el disco y puede costar un poco de trabajo llegar a apreciar estos recursos, pero una vez que uno se ha acostumbrado, hacen las canciones mucho más especiales hasta el punto en que uno comienza a amarlos.
1.Clandestino
2.Desaparecido
3.Bongo Bong
4.Je Ne T’Aime Plus
5.Mentira …
6.Lágrimas De Oro
7.Mama Call
8.Luna Y Sol
9.Por El Suelo
10.Welcome To Tijuana
11.Día Luna … Día Pena
12.Malegría
13.La Vie A 2
14.Minha Galera
15.La Despedida
16.El Viento
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863. Billy & Wilco Bragg - Mermaid Avenue (1998)
Wilco, una reconocida banda de Estados Unidos, junto con Billy Bragg, legendario solista británico, grabaron un disco con letras inéditas de Woody Guthrie, famoso cantautor folk y activista estadounidense en la primera mitad del siglo pasado. Originalmente los temas serían grabados por Bob Dylan (su heredero musical inmediato), pero nunca se concretó el proyecto, hasta que las letras fueron entregadas por la hija de Guthrie a Wilco y a Bragg. El resultado fue una obra sólida y aclamada tanto por críticos como por el público general, donde el legado de Guthrie adquirió una nueva vitalidad gracias a la creatividad de estos artistas contemporáneos. El disco es una joya musical inolvidable. Sobresalen la cadente y hermosa "California Stars" y la tristísima "At my window sad and lonely". Mientras que las mejores reflexiones pueden ser encontradas en "Christ for President"
Mermaid Avenue era el nombre de la calle de Brooklyn donde Woody Guthrie vivió con su familia desde los años 40. Treinta años después de su muerte, su hija Nora encargó a Billy Bragg –y más tarde también a Wilco- la tarea de recuperar algunas de las innumerables letras que su padre había dejado escritas, para buscarles la música adecuada. Lo que podría haber sido un hermoso pero simple ejercicio de nostalgia y amor filial acabó convirtiéndose en uno de los mejores discos que hayan llevado la firma de cualquiera de los implicados. Delicioso folk-rock que rinde tributo al espíritu alborotador de Guthrie, figura recuperada más allá del autor al que Bob Dylan emulaba en sus inicios. El oficio de Jeff Tweedy y los suyos con el country contemporáneo se ajusta a la certera y sensible visión de Billy Bragg para la tradición folk del gran Woody.
1.Walt Whitman’s Niece
2.California Stars
3.Way Over Yonder in the Minor Key
4.Birds and Ships
5.Hoodoo Voodoo
6.She Came Along to Me
7.At My Window Sad and Lonely
8.Ingrid Bergman
9.Christ for President
10.I Guess I Planted
11.One by One
12.Eisler on the Go
13.Hesitating Beauty
14.Another Man’s Done Gone
15.The Unwelcome Guest
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864. Turbonegro - Apocalypse Dudes (1998)
Turbonegro es una banda de rock noruega formada en Oslo, a finales de 1988, por el bajista de origen estadounidense Thomas Seltzer (Happy Tom), Pål Erik Carlin a las voces, TK a la batería y los guitarristas Vegard Heskestad, Pål Bøttger Kjærnes (Pål Pot Pamparius) y Rune Grønn (Rune Rebellion).
En marzo de 1993 el cantante, Harald Fossberg, tiene que dejar la banda debido a un cáncer y su lugar lo pasa a ocupar el ya orondo Hans Erik Husby, el que años más tarde sería conocido como Hank von Helvete. El guitarrista Knut Schreiner, conocido como Euroboy, se une a la banda en 1996, sustituyendo a Pål Pot Pamparius como guitarrista; ya con esta formación, grabaría lo que se considera como su obra cumbre, y uno de los discos más recordados de "La ola escandinava" de finales de los 90, entre la que podemos situar a Backyard Babies, Gluecifer, Hellacopters o Hardcore Superstar. El disco, llamado "Apocalypse Dudes", era un homenaje a la historia del rock, que incluía pasajes musicales directamente "fusilados" de grupos como The Dictators, Ramones o incluso Iron Maiden. El tema que da comienzo al disco, "Age of Pamparius", es toda una declaración de intenciones; una letra ácida, inspirada en el nombre de la Pizzería "Pamparius", regentada por su ex-guitarrista Pål Pot Pamparius, con burla incluida a la generación hippie ("Age of Aquarius” ), y musicalmente un cruce bastardo entre AC/DC, Motörhead y Ramones, que se convierte en un himno rockero de alto voltaje, usado para abrir sus conciertos, y conducir a sus fans al histerismo desde sus primeros compases e inconfundibles coros.
1.The Age of Pamparius
2.Selfdestructo Bust
3.Get It On
4.Rock Against Ass
5.Don't Say Motherfucker, Motherfucker
6.Rendezvous with Anus
7.Zillion Dollar Sadist
8.Prince of the Rodeo
9.Back to Dungaree High
10.Are You Ready (For Some Darkness)
11.Monkey on Your Back
12.Humiliation Street
13.Good Head
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865. Fatboy Slim - You’ve Come a Long Way, Baby (1998)
Con toda la música saliendo de su estudio en casa llamado “House of Love”, la maestría de Fatboy de tomar sonidos y ritmos desde cualquier lugar de la imaginación y transformarlos en ritmos que sacuden es lo que le ha dado su verdadero éxito. “You’ve Come a Long Way, Baby” vendió más de tres millones de copias.
A la electrónica, los primeros rockeros se apuntaron con Primal Scream, Orbital, Chemical Brothers y los más rezagados con este disco de Fatboy. La dosis perfecta de suciedad rock, breaks funk y tecnología para gustar a todos...
Éste es un disco que mucha de gente catalogará como indispensable de techno, aunque precisamente esta etiqueta es la que puede sonar algo rara si se le da el carácter vanguardistra que muchos le quieren dar. Es cierto que el disco está hecho a base de samplers y cajas de ritmo, pero el espíritu de Fatboy es y será rockero. Fatboy utiliza estribillos, melodías, bajadas de ritmo y cambios como lo hacía con Freak Power o Pizzaman. La etiqueta que mejor le cae es la del Big Beat, un estilo al que algunos ceñudos críticos han tachado de tecno cazurro por sus similitudes con el rock'n'roll guitarrero y por su poco atrevimiento vanguardista. Es cierto que los discos de Fatboy, ni éste ni el anterior, permiten minuciosas escuchas, porque son producto de una mente hedonista que está divirtiéndose como un mono con sus nuevas maquinitas. Su intención es que la gente se lo pase tan bien como él.
Pero al fin y al cabo, Prodigy y Chemical Brothers lo llevan haciendo desde hace más tiempo y no fueron tan denostados. En definitiva, se trata de un producto muy bien realizado, que cumple perfectamente las expectativas, que te lo hará pasar bien, aunque no sea tan techno como -pongamos por ejemplo- Aphex Twin, pero ¿a quién le importa?
1.Right Here, Right Now
2.The Rockafeller Skank
3.Fucking in Heaven
4.Gangster Tripping
5.Build It Up – Tear It Down
6.Kalifornia
7.Soul Surfing
8.You’re Not from Brighton
9.Praise You
10.Love Island
11.Acid 8000
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866. David Gray - White Ladder (1998)
Gray nació en Inglaterra y creció en Gales; estudió en la Universidad de Liverpool. Su carrera musical ha sido especialmente exitosa en Irlanda. Tras tocar en bandas escolares, descubrió el estilo melancólico con que toca la guitarra y canta, y se mudó a Londres.
Durante meses, David Gray golpeó las puertas de cuanto sello grabador existiera por los alrededores. En todos encontró un empecinado desinterés. Claro, el músico tenía ya tres álbumes editados, cada uno en un sello diferente, y las ventas no habían sido, en ningún caso, lo suficientemente satisfactorias como para seguir apostando por él.
Decidió entonces tomar el asunto, íntegro, en sus manos. Se encerró en su departamento de Londres con su guitarra, una máquina de ritmos y una grabadora elemental. Con la compañía, ocasional, de Clune, el baterista y multiinstrumentista que lo acompaña desde su tercer álbum y que suele estar con él en las presentaciones en vivo.
Así, con la ventana abierta, dejando entrar el ruido londinense, volcó toda la energía acumulada en "White ladder", su cuarto disco, y armó, para editarlo, un sello propio, Iht Records.
Entonces, una vez más, la vida demostró que las cosas casi nunca están donde las reglas de la industria discográfica busca. Y mientras todos buscaban "la revelación", "la nueva gallina ponedora de hits", el disco de Gray, y especialmente el tema "Babylon", comenzó a circular de boca en boca, de oído en oído.
El disco lo editó primero en Irlanda, en 1998 y poco a poco se transformó en un éxito, que llegó al tope de los rankings. Un año después, en Inglaterra. Allí, sin que lo pasaran las radios y sin ningún tipo de promoción, vendió 20.000 copias en poco tiempo. Algo se estaba gestando. Este año salió en los Estados Unidos gracias a un fan de hace varios años: Dave Matthews (de la Dave Matthews Band), que lo editó en su propio sello, ATO Records.
1.Please Forgive Me
2.Babylon
3.My Oh My
4.We’re Not Right
5.Nightblindness
6.Silver Lining
7.White Ladder
8.This Year’s Love
9.Sail Away
10.Say Hello Wave Goodbye
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867. Lucinda Williams - Car Wheels on a Gravel Road (1998)
Lucinda Williams es una cantautora estadounidense, procedente de Lousiana, de música rock, folk y country, una artista muy venerada en la escena fokl-rock, toda una estrella del country alternativo y un exponente claro del rock de raíces.
Los primeros años de su vida artística los pasa fogueándose y empapándose de las música de raíces por los estados sureños, desde Texas (Austin y Houston), Mississippi (Jacson) pasando por California (Los Ángeles) hasta llegar a la misma cuna del country, Nashville, donde termino de labrarse una reputación con sus actuaciones, tanto eléctricas como acústicas. En todo este periodo Williams se forja y moldea consiguiendo un sonido característico que la define, con una mezcla de su original influencia del folk de los 60’s y el rock de raíces, blues y country. De este periodo llegan disco como Ramblin' (1978), Happy Woman Blues (1980) Lucinda Williams (1988), Sweet Old World (1992).
Pero el espaldarazo definitivo tanto a nivel de crítica como de público le llega seis años después con la publicación de “Car Wheels on a Gravel Road” (1998) el trabajo más rockero y áspero de Lucinda , un estupendo disco de rock de raíces contemporáneo que destila country y blues. En el disco intervienen, entre otros, en bastantes temas, el gran Steve Earle a la guitarra y armónica, el ex Chicago Charlie Sexton a la guitarra eléctrica o Emmylou Harris en el tema “Greenville". Con fama de demasiado perfeccionista, y de trabajar muy despacio en el estudio de grabación, Willians no ha sido una artista muy prolífica, contabilizándose solo diez álbumes en sus más de treinta años de carrera.
Se entiende así, la perfección de este disco, de sonido y producción impecables. Lucinda se ve una mujer de gran inquietud por un trabajo delicado, y detallista, y cada canción destila pasión, a través de su voz entre abatida y melancólica, pero valerosa y recia.
1.Right in Time
2.Car Wheels on a Gravel Road
3.2 Kool 2 Be 4-gotten
4.Drunken Angel
5.Concrete and Barbed Wire
6.Lake Charles
7.Can’t Let Go
8.I Lost It
9.Metal Firecracker
10.Greenville
11.Still I Long For Your Kiss
12.Joy
13.Jackson
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868. Pulp - This is Hardcore (1998)
This Is Hardcore es el sexto álbum lanzado por la banda Pulp, lanzado en marzo de 1998. Lanzado tres años despues de su gran exito comercial, Different Class, fue largamente anticipado. Aunque no alcanzo el mismo exito comercial que su predecesor, alcanzo en número uno en las listas. Ademas, el álbum fue bien recibido por las criticas y le dio a la banda su tercera nominación consecutiva en 1998, para los Mercury Music Prize. Las primeras versiones del álbum en el Reino Unido, venian con un disco bonus en vivo, llamado "This is Glastonbury". Una edición deluxe del álbum fue lanzada el 11 de septiembre del 2006, que incluye un cd extra con B-sides, demos y rarezas.
El diseño de la portada fue dirigido por el pintor americano, John Currin, quien es conocido por pintar formas femeninas exageradas. Currin fue también el director de el video "Help the Aged", basado en su pintura "The Never Ending Story". Los posters de promoción, mostraban la portada del álbum que aparecia en la escena underground de Londres siendo retocadas por artistas de graffiti con eslogans como "This Offends Women", "This is Sexiest" o "This is Demeaning".
Una portada provocativa traería consigo el fin de uno los mejores pop que hasta ahora ha habido. Pulp conseguían una obra perfecta como consecuencia de dar un paso más dentro del brit-pop, luego, tres años después, la historia concluiría con un buen final, y aunque ellos dicen que este proyecto no se ha acabado, todo apunta a que We Love Life (2001, Island) es el último trabajo que publica la banda.
1.The Fear
2.Dishes
3.Party Hard
4.Help the Aged
5.This Is Hardcore
6.TV Movie
7.A Little Soul
8.I’m a Man
9.Seductive Barry
10.Sylvia
11.Glory Days
12.The Day After the Revolution
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869. Madonna - Ray of Light (1998)
Durante 1997, ya finalizada la promoción de Evita, Madonna empezó a componer junto a Patrick Leonard, Babyfacey Rick Nowels, de forma separada y uno después de otro sin quedar satisfecha con los resultados.
Y ahí fue cuando William Orbit entró en el ruedo, un productor y compositor británico de música electrónica que destacaba desde hacía años, con quién vio que podría sumergirse en los sonidos techno y dance que deseaba para su disco.
Se tardó cuatro meses y medio en grabar el álbum, en unos estudios de Los Angeles. La mayor parte del tiempo fue invertida en la parte instrumental, sobretodo por la insistencia de Orbit de trabajar con ordenadores y sintetizadores en vez de músicos en directo. Por suerte, la parte vocal se grabó fácil y rápidamente. Marius De Vries aportó algunos toques finales a la producción una vez finalizado el trabajo.
A finales de febrero en Europa y principios de marzo en USA, fue publicado el primer single del disco, Frozen.
El tema alcanzó el número uno en muchos países, y el dos en algunos otros, debido a la fuerte competencia que le supuso la Banda Sonora de Titanic. Poco después, el álbum vivió más o menos la misma suerte, alcanzando el número uno en países como Reino Unido, pero quedando en el dos en otros como Estados Unidos.
El disco se llevó varios premios, entre los que destacan cinco estatuillas por el videoclip de Ray Of Light en los MTV VMA de 1998, junto a una más por el videoclip de Frozen. Durante la entrega de los Grammy en 1999, se llevó dos premios por el video de Ray Of Light más otros dos por el álbum, uno de ellos como “Mejor Álbum Pop”.
Los críticos de todo el mundo coincidieron en decir que Madonna había creado su mejor disco desde Like A Prayer, y en general, uno de los mejores de la década de los noventa, un disco emocional, con grandes letras, de contenido espiritual, y con una Madonna más madura, sobretodo en su voz, mucho más armónica desde sus clases de adiestramiento vocal antes de la grabación de Evita.
Una edición especial del álbum fue publicada en formato Digipak, con una portada y contraportada holográficas diseñadas por Kevin Reagan y que le valieron un premio Grammy en 1999. Además, en Japón, se publicó también una edición especial que contenía un cd-bonus titulado Words + Music, que incluía en él entrevistas con Madonna.
1.Drowned World/Substitute for Love
2.Swim
3.Ray of Light
4.Candy Perfume Girl
5.Skin
6.Nothing Really Matters
7.Sky Fits Heaven
8.Shanti/Ashtangi
9.Frozen
10.The Power of Good-Bye
11.To Have and Not to Hold
12.Little Star
13.Mer Girl
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870. Lauryn Hill - Miseducation of... (1998)
Lauryn Hill actriz, cantante y productora estadounidense galardonada 8 veces con el premio Grammy. Fue miembro de The Fugees antes de empezar una carrera en solitario. Asistió al instituto de Columbia en Nueva Jersey. De niña, actuó una vez en el Apollo Theater, donde recibió una gran ovación al terminar. Comenzó a actuar de adolescente en series de televisión como As the World Turns y en la película Sister Act 2: de vuelta al convento. Ya en el instituto pasó a formar parte de The Fugees, pero no actuó asiduamente con ellos hasta que acabó en la Columbia University. Al primer álbum de The Fugees, Blunted on Reality le siguió el disco The Score, que obtuvo numerosos premios y cuantiosas ventas y que presentaron con la canción de Roberta Flack', "Killing Me Softly."
“The Miseducation of Lauryn Hill” Fue el album debut de Lauryn Hill. Lanzado el 25 de Agosto de 1998, sacudió a los premios Grammy's, después de haber sido nominado a 11 gramófonos y ganar 5 de ellos (incluyendo "Álbum del Año). El álbum incluye colaboraciones con el artista del soul D'Angelo ("i used to Love Him” ) y con John Legend en el piano en "Everything is Everything." El Primer sencillo del álbum fue "Doo Woop (That Thing), canción que gano 2 premios Grammy's: "Mejor canción R&B" y "Mejor Presentación Vocal Femenina de R&B" y llegó al 1# lugar en la lista de "US Billboard Hot 100". Fue colocado en el puesto 37 en la lista Vh1 de los mejores albums de la historia. Rankeado 312 en la lista de "Los 500 Mejores Albums de Todos los Tiempos".
El titulo hace referencia al libro de Carter G. Woodson "The Mis-Education of the Negro" y la portada del álbum a "Burnin" de The Wailers.
1.Intro
2.Lost Ones
3.Ex-Factor
4.To Zion
5.Doo Wop (That Thing)
6.Superstar
7.Final Hour
8.When It Hurts So Bad
9.I Used To Love Him
10.Forgive Them Father
11.Every Ghetto, Every City
12.Nothing Even Matters
13.Everything Is Everything
14.The Miseducation of Lauryn Hill
15.Can’t Take My Eyes Off Of You
16.Sweetest Thing
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871. Hole - Celebrity Skin (1998)
El tercer álbum de Hole contenía un sonido completamente nuevo para la banda, pues era de un estilo más pop. Celebrity Skin fue un éxito para la crítica, y se vendió moderadamente bien. El grupo entonces consistía en Courtney Love, Eric Erlandson, Patty Schemel y Melissa Auf Der Maur, aunque en entrevistas posteriores Love aseguró que en la percusión Schemel fue en realidad reemplazada por otro músico.
Cuando los periodistas preguntaron por el significado del álbum, Love decidió no ofrecer ninguna explicación acerca de las letras.
Quizá como una reacción a toda la especulación anterior sobre el supuesto de que Kurt Cobain era el verdadero autor de las canciones del segundo álbum de Hole, Celebrity Skin lista de forma específica las contribuciones de cada músico al realizar el disco, especificando la autoría de cada canción. Love participó en todas las letras, mientras que Erlandson y Michael Beinhorn, participaron en cada una de las canciones, junto a Billy Corgan, de The Smashing Pumpkins (además de Melissa Auf Der Maur, Patty Schemel, Jordon Zadorozny, de Blinker the Star, Charlotte Caffey de The Go Go's, los cuales participaron de una forma más leve en las canciones) Billy Corgan se ofreció a ayudar con las letras y deconstruir las canciones en el piano, pero acabó figurando como coautor en cinco de las canciones de Celebrity Skin.
Celebrity Skin es más claramente Power pop, y puede verse presente el deseo subyacente de crear de la nada una obra perdurable. El estilo de Erlandson con la guitarra es innovador y complejo, y las letras de Love son profundas y sofisticadas en todo el álbum. Se acredita a Hole el haber establecido un puente entre el punk y el pop, creando una conexión entre ambos estilos. Habiendo desafiado la estética indie/underground mediante esta conexión al pop, puede verse a Hole como uno de esos grupos que han hecho una gran contribución al canon del rock.
1.Celebrity Skin
2.Awful
3.Hit So Hard
4.Malibu
5.Reasons to Be Beautiful
6.Dying
7.Use Once & Destroy
8.Northern Star
9.Boys on the Radio
10.Heaven Tonight
11.Playing Your Song
12.Petals
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872. Mercury Rev - Deserter’s Songs (1998)
Con sus relaciones personales convertidas en un callejón sin salida y su grupo fragmentándose alrededor de él, Deserter’s Songs es el documento de la escapada de Jonathan Donahue, la cabeza visible de Mercury Rev: música de grandiosidad descarada que saca a la luz crisis personales a una escala enorme, sazonadas con imágenes de grandes cielos húmedos y océanos desbocados, de autopistas y líneas de ferrocarril que se extienden más allá del horizonte visible.
Deserter’s Songs resulta ser una fantástica banda sonora para un sueño del tipo Alicia en el país de las maravillas: una mezcla de instrumentación ecléctica (vientos, cuerdas, órganos, flautas, etc.), orquestas submarinas y estrafalarias nanas que conducen a la fantasía. Antes lo habían intentado artistas de los 60 como los Beach Boys o Van Dyke Parks, de-construyendo la realidad a través de prismas favorecidos por la experimentación con las sustancias químicas y los arreglos orquestales. Aquella estética de un Las Vegas lisérgico murió con los 70, pero Mercury Rev recobraron un soplo de su cadáver a finales de los 90.
“Ése amplio mar azul que se no puede cruzar, que no se puede escalar”, canta un Jonathan Donahue lleno de respeto en “Holes”, haciendo suyas las infinitas posibilidades que un mundo tan enorme y hermoso le ofrece para perderse, al tiempo que demuestra que la música puede ser épica en su concepción y en la práctica sin sonar pomposa, ni falsamente mística, ni hinchada con lugares comunes y clichés. Esta vez, Mercury Rev colocaron y celebraron el mapa de la Gran Música ¿Y el resultado? Un clásico moderno.
1.Holes
2.Tonite It Shows
3.Endlessly
4.I Collect Coins
5.Opus 40
6.Hudson Line
7.The Happy End (The Drunk Room)
8.Goddess on a Hiway
9.The Funny Bird
10.Pick Up If You’re There
11.Delta Sun Bottleneck Stomp
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873. System of a Down - System of a Down (1998)
System of a Down (también conocido abreviadamente como System o por sus siglas, SOAD) es una banda de metal alternativo, de ascendencia armenia, formada en Glendale, California, en el año 1995. En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre "System of a Down" inspirados por el poema Victims of a Down escrito por el guitarrista Daron Malakian. Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, la pornografía violenta y machista, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación entre otros.
Está compuesta por Serj Tankian (voz/teclado/ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (guitarra/voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).
System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas y hasta una botella vacía sirve de instrumento (en el tema Psycho, del Toxicity), mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple), y otros instrumentos de Asia. Sus más notables influencias provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal. También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusion, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, rock clásico, blues e industrial.
Además tienen influencias políticas que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder. Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde el lanzamiento de su primer álbum (en 1998) buenos resultados tanto del público, que hizo de System of a Down un disco de platino, como de una parte de la crítica musical.
En junio de 1998 la banda sacó su primer álbum de estudio, System of a Down. La banda obtuvo un éxito moderado con su primer sencillo, Sugar, que se convirtió en un favorito de las radios estadounidenses, seguido por el sencillo Spiders. System of a Down realizó una larga gira abriendo conciertos para Slayer y Metallica antes de conseguir un lugar en el segundo escenario del Ozzfest. Después de Ozzfest salieron de gira con Fear Factory y con Incubus antes de encabezar la gira Sno-Core con Puya, Mr. Bungle e Incubus de soportes.
1.Suite-Pee
2.Know
3.Sugar
4.Suggestions
5.Spiders
6.DDevil
7.Soil
8.War?
9.Mind
10.Peephole
11.CUBErt
12.Darts
13.P.L.U.C.K.
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874. Queen of the Stone Age - Queen of the Stone Age (1998)
Queens of the Stone Age (también conocidos como QOTSA o, simplemente, Queens) es una banda estadounidense de hard rock originaria de Palm Desert, California. Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior y contó con la participación de sus ex compañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández. Queens of the Stone Age han sido catalogados dentro del sonido stoner rock, aunque rechazan ese término.
Queens of the Stone Age es su primer álbum de estudio. Este debut fue lanzado al mercado el 22 de septiembre de 1998 por Loose Groove, sello discográfico independiente de Stone Gossard, guitarrista de Pearl Jam. De la versión vinilo se encargó Man's Ruin Records, sello especializado en el stoner rock y hard rock en general, ya que trabajó anteriormente con Kyuss (la banda que engendró a QOTSA), Fu Manchu, The Desert Sessions (colectivo musical de Josh Homme) o Turbonegro.
El álbum auto titulado fue todo un éxito tanto para fans como para la crítica especializada, aun ambos sorprendidos por la desintegración de los míticos Kyuss y por la rápida creación de otra banda que continuaba con varios de los ex componentes de Kyuss y con una línea musical similar. El 6 de febrero de 2006, el CD recibió la calificación de disco de platino en el Reino Unido.
1.Regular John
2.Avon
3.If Only
4.Walkin’ on the Sidewalks
5.You Would Know
6.How to Handle a Rope
7.Mexicola
8.Hispanic Impressions
9.You Can’t Quit Me Baby
10.Give the Mule What He Wants
11.I Was a Teenage Hand Model
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875. Air - Moon Safari (1998)
Air es una banda francesa de música electrónica, compuesta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. La banda se formó en 1995. Han sido altamente aclamados por la crítica, especialmente con su segundo LP llamado Moon Safari.
Aunque Air es considerado una banda de música electrónica o trip-hop, realmente su sonido se basa en sonidos de sintetizadores de artistas de la década de los 70 como Jean Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los músicos de Krautrock Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg. Ocasionalmente incluyen toques de jazz.
Con su álbum, Moon Safari en 1998, se dieron a conocer a todo el mundo de una forma fresca y novedosa. Significó todo un éxito en público y críticos.
La perfecta química de Nicolas Godin y de Jean-Benoît Dunckel supieron plasmar en su primer trabajo le valió el reconocimiento a nivel mundial y mención aparte de la participación de la cantante Beth Hirsch en las canciones All I Need y You Make It Easy; ya que el disco es una joya que rodea la perfección, elegir mi tema favorito del disco me resulta imposible, pues todos son espectaculares, desde el inicio con La Femme d’Argent, pasando por Talisman, hasta finalizar con Le Voyage de Penelope
1.La Femme d’Argent
2.Sexy Boy
3.All I Need
4.Kelly Watch the Stars
5.Talisman
6.Remember
7.You Make It Easy
8.Ce Matin-Là
9.New Star in the Sky (Chanson pour Solal)
10.Le Voyage de Pénélope
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Si quieres mas de mi trabajo aqui esta otro trabajo:
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11-may-2010
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Re: 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Trigésima Quinta Parte) 20-may-2010
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Re: 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Trigésima Quinta Parte) 19-jun-2010
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Re: 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Trigésima Quinta Parte)
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